एल cunismo

LA FRAGMENTACION DEL ESPACIO CLASICO (1)

La perspectiva renacentista suponía el único procedimiento valido desde el siglo XV para representar las tres dimensiones del espacio. El cubismo rompe con esta tradición convirtiendo su pintura en una reconstrucción racional y no visual de la realidad. Movimiento pictórico por esencia, también aplica sus principios a la escultura, a la que libera tanto de sus temas como de sus materiales. El cubismo, gracias a su carácter experimental, no es un sistema cerrado, sino que constituye para muchos artistas una iniciación a la modernidad.

El termino cubismo, surgido de una serie de criticas adversas que recibieron los cuadros de Braque en 1908, aparece íntimamente unido a la obra de Cezanne, cuyas investigaciones habían conducido a una nueva organización del cuadro, donde el tratamiento geométrico responde al consejo dado por el artista a Emil Bernand: “hay que tratar la naturaleza en términos de esfera, cilindro y de cono”. Esa geometrizacion que se encuentra en las obras del cubismo analítico caracteriza también a muchas formas artísticas primitivas; de esta manera se produce el descubrimiento por parte de los cubistas del arte africano e ibérico, gracias por un lado a la expansión colonial, y por otro lado a la apertura de museos etnográficos. Este conocimiento de las artes tradicionales llevo a la creación de un nuevo vocabulario formal que ayudo a la liberación de los nuevos artistas de las formas plásticas existentes.

EL CUBISMO ANALITICO

Se dice generalmente que el cubismo nació con la obra de Picasso Las señoritas de Avignon (1906-1907), donde el problema primordial que preocupaba al artista era la representación de los volúmenes modelados mediante cambios de colores puros y violentos, así como un nuevo planteamiento de los fundamentos de la perspectiva. Esta experiencia, junto con los paisajes realizados por Picasso en la región de Oise y Horta del Ebro, pertenece a la primera fase del cubismo (también llamado cubismo cezasiano) época en la que el pintor Georges Braque (1852-1963), interesado por las experiencias de Picasso, pinto sus paisajes de L’Estaque
A partir de 1910 el cubismo evoluciono hacia una descomposición del objeto más rigurosa y profunda, entrando a la denominada fase analítica. Intenta expresar la visión del objeto “tal y como sabe que existe y no ya tal como se ve”. El cubismo decidió renunciar desde entonces a la perspectiva renacentista, multiplicando los puntos de vista , los ángulos de visión, lo que crea una mas razonable y completa representación y también mas objetiva. En esta fase, el dolor se redujo a gamas de ocres y grises.
El cubismo atrajo con gran rapidez multitud de admiradores y seguidores tanto entre pintores como entre escultores. La exposición de la sección de oro, realizada en el año 1912, acogió la obra de mas de 30 artistas, entre los que cabe destacar a Juan Gris (1887-1927), Albert Gleizes (1881-1953), Jean Metzinger (18853-1956) Roger de Fresnaye (1885-1925), Louis Marcousis (1878- 1941), Jaques Villon (1875-1963), Marcel Duchamp (1876-1918) y Raymond Duchamp-Villon (1876-1918).
En sus obras se persigue el común interés de descomponer los volúmenes, siendo para la mayoría el único punto de partida de una búsqueda personal: el orfismo para R. Delaunay, o la descomposición de la luz para Jacques Villon. En esta época aparecieron también las primeras obras escritas que intentaron sentar las bases teóricas del cubismo. Del cubismo por Gleizes y Metzinger (1912) o Pintores Cubistas, meditaciones estéticas por Guillarme Apolliniare (1913), que fue considerado como el autentico manifiesto del movimiento.

EL CUBISMO SINTETICO

En el transcurso de los años 1912-1913 Picasso, Braque y Juan Gris dieron un paso más e inauguraron una nueva fase del cubismo: El cubismo sintético.
Después del estudio de ciertas mascaras pertenecientes a su propia colección Picasso renuncio a la imitación del objeto con el propósito de crear una realidad plástica y objetiva por medio de signos totalmente inventados. Las obras de esta época se caracterizan por formas antinaturalitas unidas entre si de tal manera que el espectador pueda reconstruir la realidad evocada. Así, en la guitarra, realizada en 1912, se observa que Picasso ha evocado el rosetón no por un agujero redondo (de forma cóncava) sino por el cilindro de chapa salediza ( de forma convexa) e inmediatamente identificable por el espectador. Esta manera de representar una parte de un objeto por la forma exactamente inversa de la realidad, esta inversión de los llenos y los vacíos, va a ser uno de los rasgos distintivos de la cultura cubista.

Los collages

En el año 1912, Picasso realizo su primer collage, Naturaleza muerta con silla de rejilla, al introducir en una pintura un trozo de hule que imitaba el respaldo de una silla de rejilla.
Tiempo después, Braque decidió explorar la técnica del papel pegado y para ello integro en sus dibujos y pinturas trozos de papel pintado, que imitaban materiales como la madera de mármol, etc., preocupado dar al objeto su tono natural. El mismo año, tanto Braque como Picasso transpusieron los papeles pegados en tres dimensiones a construcciones o esculturas de ensamblaje, combinando materiales no tradicionales como papel, cartón, alambre, bramante, chapa, etc. Las construcciones, objeto de estudio para ambos artistas, se convirtieron rápidamente en nuevos medios íntegros de expresión para Henri Laurens


(1) ENCICLOPEDIA, La Enciclo, tomo 1


Picasso, Las señoritas de avignon (1906-1907).
De izquierda a derecha, la influencia Ibérica deja
paso a la del arte africano (museo de arte moder-
no, New York)

LA EXPERIENCIA CUBISTA EXPANDE LA EXPERIENCIA DE LA
“VISION DE LA VISION”, INTEGRANDO ELEMENTOS CIENTIFICOS
CON BASE EN LA FISICA. LOGRAMOS ACCEDER A UNA EMANCI-
PACION DEL ESPACIO TRIDIMENSIONAL, ESCINDIDO DE LA FINI-
TUD DE LA PERSPECTIVA. EL ESPACIO ESTALLA, DANDONOS UN
NUEVO ESPACIO DE FUERZAS DIMANICAS, DE VOLUMENES Y
COLORES

El cubismo gris
ARTE DEL SIGLO XX

CARACTERÍSTICAS
El cubismo se caracteriza, además de por plasmar de manera simultánea un mismo objeto desde diferentes ángulos, por el empleo de figuras geométricas como triángulos, cuadrados, rectángulos y cubos. Es de esta última figura de donde proviene el nombre del movimiento, debido a que en 1908 el crítico Luís Vauxcelles opinó que los cuadros de Braque estaban compuestos de cubos.
En cierto sentido el cubismo es el movimiento más significativo y trascendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza. Su visión es tan radicalmente distinta que conmocionó a todo el mundo del arte. A partir del cubismo, los conceptos de arte y belleza cambian por completo, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma.
Normalmente se considera que la fecha de inicio de este movimiento fue en 1907 con el cuadro de Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso. Picasso fue, junto a Georges Braque, el artífice de esta corriente que tuvo como centro principal París.
Sus planteamientos son totalmente inéditos en el arte. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador no se puede quedar contemplando sin más la obra, sino que debe reconstruirla en su mente para poder comprenderla. La pintura es algo mental, el espectador interpreta la realidad según las pautas que da la obra y se convierte en artista, en creador. La nueva estética se desliga completamente de la interpretación o la semejanza con la naturaleza, lo que significa que la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. Esta desvinculación de la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, y pintadas de forma geométrica. Esta descomposición no es casual, sino que está muy estudiada y calculada, para permitir la recomposición mental de la figura.
El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales cubistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.
El cubismo se pregunta, también, por los problemas del volumen y del espacio. Su ruptura con la tradición renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictórico para sus formas. Una de las características del cubismo es su representación en blanco y negro, consecuencia de su desvinculación con la naturaleza e influido por la fotografía, para facilitar la lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por la representación del movimiento y por lo tanto del tiempo: de la cuarta dimensión. El tiempo cobra un nuevo significado tras la teoría de la relatividad de Einstein. El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura. El color ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro. La cuarta dimensión está en la mente humana, vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, y eso es lo que pretende captar el cuadro cubista.
Los temas principales de los cuadros cubistas suelen ser los retratos y las naturalezas muertas. A pesar del aspecto de algunos cuadros, la forma siempre fue respetada, sin llegar en ningún momento al arte abstracto. Los colores utilizados suelen ser apagados, y la luz es más bien escasa.
Artistas innovadores, Picasso y Braque buscaron nuevas maneras de expresar el espacio y la forma en sus pinturas. Tuvieron influencias de Paúl Cézanne, Georges Seurat, la escultura ibérica, el arte tribal africano (aunque Braque luego lo negase) y del fauvismo.
Los historiadores del arte dividen este movimiento artístico en dos etapas: una primera etapa, hasta 1911, denominado Cubismo analítico o inicial y una segunda etapa que comienza tras el descubrimiento del collage y se denomina Cubismo sintético.


ESCUELAS Y PINTORES CUBISTAS

Tras la época clásica del cubismo aparecen tres escuelas: la Sección Áurea (o Sección de Oro), que pretenderá llevar las matemáticas a la pintura de manera consciente, tanto en los ritmos como en las proporciones de la descomposición cubista; el orfismo es el cubismo colorista, un tanto evocador de sueños extraños, está muy cerca de la abstracción pura; y por último está el purismo de la Bauhaus que reaccionó contra los excesos del cubismo y vuelven a las formas simples y analíticas.
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura central del cubismo, y uno de los grandes genios del arte universal. Su obra artística es muy extensa pero su nombre estará siempre ligado al cubismo como su creador y su máximo representante. En 1907 pinta Las señoritas de Aviñón, cuadro que marca el comienzo del cubismo. Otros cuadros cubistas son Mujer sentada en un sillón, Mujer del abanico, La fábrica de Horta del Ebro, Cabeza de mujer, La muchacha de la mandolina, El aficionado, Retrato de Wilhelm Uhde, Retrato de D. H. Kahnweiler, Hombre con sombrero, Cabeza de muchacha, Naturaleza muerta con una silla de rejilla, Guitarra, Naturaleza muerta, estas tres últimas con colage, Las meninas y El Guernica.
Georges Braque (1882-1963) es el otro gran creador del cubismo, más intelectual que Picasso. Se mantiene siempre fiel a la estética cubista. Son características sus naturalezas muertas: Naturaleza muerta en mesa de árbol, Casas en el estanque, La Roche-Guyón, El portugués, Ceret: los tejados, El hombre del violín, Violín y jarra, La mesa del músico.
Juan Gris (1887-1927) es el tercer gran cubista. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Su cubismo es, fundamentalmente, sintético y coloreado. Comienza a poner a sus obras títulos intranscendentes. Composición, El fumador, Las tazas de té, La celosía, Vaso y paquete de tabaco, El lavabo.
Como representantes de la Sección Áurea tenemos a Marcel Duchamp: Retrato de jugadores de ajedrez, Fernand Léger, que se caracteriza por dar volumen a los planos: Jóvenes en un interior, Desnudos en el bosque, Desnudos sobre fondo rojo, El hombre en la ciudad, Kasimir Malevich: El leñador, y Piet Mondrian: Manzano en flor.
Entre los más destacados del orfismo están Robert Delaunay es su representante más destacado: La ciudad nº2, Ventanas sobre la ciudad nº4, una ventana, Campo de Marte: la torre Eiffel roja, Francis Picabia: Procesión en Sevilla, y Frantisek Kupka: Nocturno.
Dentro del purismo está Amédée Ozenfant que es el representante más destacado: Naturaleza muerta, Vida, y Le Corbusier: Guitarra vertical.
Otros pintores cubistas son:
María Blanchard
Sonia Delaunay
Albert Gleizes
André Lhote
Jean Metzinger
Wifredo Lam

CUBISMO LITERARIO

El cubismo literario nace del cubismo pictórico, y así se llama por simple fraternidad de los artistas de uno y otro bando; y también porque hay muchos puntos de semejanza en sus doctrinas de abstracción o evasión artística. Apollinaire, Cendrars, Max Jacobs, corifeos de la pintura cubista, fueron hermanos en inquietudes artísticas de Picasso, Juan Gris y Delauny. Esto explica en parte, que la poesía cubista, abandonando los elementos musicales tan caros al simbolismo, se haga poesía puramente visual.

En el poema cubista, no es la realidad externa la que se plasma, sino su poliédrica y acelerada proyección en nuestro espíritu, con todas las predilecciones y deformaciones que le impone la originalidad de nuestro modo de captarla. La imagen cubista no es simple com la de una flor en un espejo, sino intrincada y polifásica como un mosaico.

El poema cubista es una yuxtaposición instantánea de imágenes autónomas, desligadas. Se recrea en lo visual y desprecia lo auditivo. No hay anécdota, ni argumento, ni historia.
Cada verso o doble verso es una célula independiente, pero confederada con las otras para dar un poema que tiene por centro unificador al poeta mismo.

El poema cubista atrae a un solo plano, simultáneamente, los elementos de la realidad que la imaginación, como un imán central, congrega en un punto de convergencia, que es la mente del poeta. Pero su enfoque, las fracciones de realidad que la inspiran, no están en el pasado, sino en el presente, en la vida y no en el sueño; en la vida moderna con su afiebrada velocidad y dinamismo.

En general se alude, a un importante sector de la poesía francesa, cuyo punto inicial podría situarse en 1896 y que hacia 1917, confluye con el Dadaísmo. La amistad, a menudo íntima, y la mutua colaboración entre los pintores de este movimiento (Picasso - Bracque ) y los poetas a que se extiende esta denominación, a la vez que un ideal estético común, son razones más que suficientes para justificarla.

La figura principal de este movimiento es sin duda el poeta Guillaume Apollinaire, quien en 1913 junto con su libro "Alcoles", publicó un importante manifiesto donde se encuentran las siguientes exhortaciones: "Palabras en libertad"; "invención de palabras"; "destrucción"; "supresión del color poético, de la copia en arte, de la sintaxis, de la puntuación, de la armonía tipográfica, de los tiempos y personas de los verbos, de la forma teatral, del sublime artista, del verso y de la estrofa, de la intriga en los relatos, de la tristeza".

Al lado de Apollinaire podemos citar a Max Jacob; Jean Cocteau y Pierre Reverdy, quien funda en 1917 la revista Nord-Sud, que disputará luego la paternidad del Creacionismo al poeta chileno disputará Vicente Huidobro, y que será, junto a Apollinaire, uno de los poetas más admirados por la nueva generación en la que se encontraban los futuros surrealistas: André Breton y Paul Eluard.