Simbolismo
Movimiento artístico surgido hacia 1888 revela inquietudes místicas y ejerce una influencia limitada. Sobre 1900 se funde con el art nouveau Se ha definido el simbolismo como ideista, sintético, decorativo, subjetivo....elementos que son, ciertamente, comunes a muchos estilos. Muchas de sus obras están inspiradas en la Biblia y en la mitología, expresan misterio y magia. El simbolismo alcanza sólo esporádicamente la arquitectura, en la figura de Gaudi y la escultura. Se manifiesta mas bien en la pintura donde combina aspectos ideológicos y metodológicos.
Definición del simbolismo
La palabra simbolista proviene del mundo literario. El primero en usarla fue Jean Moreas, en 1886, aunque es en la década de los 90 cuando se emplea relacionada con el arte. Téngase en cuenta, además, que el hombre desde siempre, se ha servido de símbolos para expresarse y a través de ellos aproximarse al mundo inmaterial. La mitología y la religión han echado mano de los símbolos para ir más allá del mero lenguaje y dejarse entender.
Sin embargo, hay que tener en cuanta que el término simbolismo es complejo, por lo que de este término se han dado muchas interpretaciones. Así, mientras que para unos, el simbolismo, es un movimiento que proviene del romanticismo; para otros, tal simbolismo no existió, y, finalmente, algunos críticos dicen que es una manifestación típica del postimpresionismo; argumentan tan afirmación en el hecho de que ambos movimientos rechazan la representación directa y literal a favor de la evocación y la sugestión, y formaban parte de una tendencia general antimaterialista y antirracionalista.
Gustavo Moreau (1826 - 1898), idealista, con grandes influencias entre escritores y artistas; gran narrador de sueños y de visiones; sus obras, fueron todas simbólicas y, en su mayor parte, tomadas de la mitología.
Odilon Redon (1840 - 1916) es el más puro de los simbolistas. Su pintura dotada de gran lirismo, refleja lo mágico, lo visionario y lo fabuloso. Su lema era poner la lógica de lo visible al servicio de lo invisible.
Pierre Puvis de Chavannes (1824- 1898) supo llevar a la pintura a la subordinación de la naturaleza, anteponiendo la expresión de las ideas, por lo que se le considera el más idealista de los simbolistas.
Estilo simbolista
Paralelamente a la preocupación del impresionismo por la pintura al aire libre contra el academicismo oficial y a los intentos de construcción científica de la pintura por el llamado puntillismo, se desarrolla una nueva concepción sobre la función y objeto de la pintura. Los simbolistas – cuyos precedentes se encuentran en William Blake, los nazarenos y los prerrafaelitas – propugnan una pintura de contenido poético.
El movimiento simbolista reacciona contra los valores del materialismo y del pragmatismo de la sociedad industrial, reivindicando la búsqueda interior y la verdad universal y para ello se sirven de los sueños que gracias a Freud ya no se conciben únicamente como imágenes irreales, sino como un medio de expresión de la realidad.
El Simbolismo no pudo desarrollarse mediante un estilo unitario; por eso, se hace muy difícil definirlo de forma general. Es más bien un conglomerado de encuentros pictóricos individuales.
Necesitó desde un principio de un idioma pictórico abstractivo. En consecuencia, los pintores hicieron uso de un vocabulario de formas lineal y ornamental y de una composición del cuadro antinaturalista. Son especialmente estos elementos abstractivos y acentuados en la linealidad, así como las relaciones composicionales inmanentes al cuadro, los que hacen del Simbolismo el precursor del tan cercano Modernismo. En Gustave Moreau existe una visión particular sobre la belleza, el amor y la muerte. Pierre Puvis de Chavannes parece perpetuar la claridad y el rigor compositivo del clasicismo combinado con colores planos y claros. Sus obras parecen vacías de movimiento y de luz. Odilon Redon encamina sus esfuerzos hacia la representación de ideas, de tal manera que su obra se aproxima a lo que más tarde será la estética surrealista.
El Simbolismo es una tendencia que supera nacionalidades, límites cronológicos y estilos personales. En este cajón de sastre podemos encontrar figuras tan dispares como Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Gustav Klimt, Edvard Munch, etc. Para complicar más la cuestión, el Simbolismo derivará en una aplicación bella y cotidiana de honda raigambre en el arte europeo de fines del siglo XIX y principios del XX: el Art Nouveau. El Simbolismo pretende restaurar significado al arte, que había quedado desprovisto de éste con la revolución impresionista. Mientras que otros neoimpresionistas se inclinan por ramas científicas o políticas, el Simbolismo se decanta hacia una espiritualidad frecuentemente cercana a posiciones religiosas y místicas. La fantasía, la intimidad, la subjetividad exaltada sustituyen la pretenciosa objetividad de impresionistas y neo-impresionistas. Continúan con la intención romántica de expresar a través del color, y no quedarse solamente en la interpretación. Ahí encontramos el nexo de unión con el resto de neo-impresionistas, puesto que las teorías del color local y los efectos derivados de las yuxtaposiciones de primarios, complementarios, etc., les resultarán muy útiles a la hora de componer sus imágenes, muy emotivas, como en la casi violenta visión de la pasión amorosa que Klimt ofrece en su Dánae. Los simbolistas encontraron un apoyo paralelo en los escritores: Charles Baudelaire, Jean Moréas, en contra del naturalismo descarnado de Zola. En cuanto a la escultura, Rodin fue el más cercano a sus planteamientos, y pese a todo, íntimamente ligado a los presupuestos del gran escultor impresionista Edgar Degas. Muy cercana a los planteamientos del Simbolismo, en cuyo seno se inscribe, se sitúa la Escuela de Pont-Aven, una de las primeras en definirse como tal. Pont-Aven es una pequeña localidad rural de la Bretaña francesa, a donde se dirigió en 1886 un grupo de pintores neo-impresionistas. El primero de todos fue Émile Bernard, que trataba de recuperar la integridad de lo rústico, de lo arcaico, en una región totalmente ajena a los avances de la vida moderna. Bernard cultivó un estilo muy personal de colores planos, perfectamente delimitados en contornos silueteados. conocidas y por otro que no fuesen únicas, sino que se imprimían y repetían, dando a la obra de arte una nueva dimensión. La obra de arte deja de ser única. A pesar de ello no crearon escuela.
Entre los nabís destacan pintores como Pierre Bonnard: Retrato de Nathanson y la señora Bonnard, Edouard Vuillard: Autorretrato, Maurice Denis: Paisaje con árboles verdes, Félix Valloton: La lectora, Ker Xavier Roussel: Montones junto al mar, Henri-Gabriel Ibels, y Paul Ranson. También pueden considerarse nabís los tres grandes simbolistas, Moreau, Redon y Chavannes.
La escultura simbolista
El Simbolismo posee una estética académica, y se presta más a las realizaciones escultóricas de vanguardia. Junto con Rodin destacan Aristide Maillol (1861-1944), que es el gran maestro de la escultura simbolista. La noche, Isla de Francia, Flores en la pradera, Venus, Flora, El río. También destacan Adolf von Hildebrand, Estatua ecuestre del príncipe regente, Medardo Rosso, Niño enfermo, Cabeza de niño, Emile-Antoine Bourdelle, Hércules arquero.
La escuela de Pont-Aven
Desde 1873 la villa de Pont-Aven es frecuentada por los alumnos de la Escuela de Bellas Artes de París. En 1886 llega Gauguín y en 1888 se instala un grupo de pintores dispuestos a seguir sus enseñanzas al margen de la Academia. Participan en la exposición del Café Volpini en 1889. Ese mismo año, Gauguín marcha para Tahití y el grupo se desvanece.
Sus obras se caracterizan por el uso libre del color, pueden pintar la hierba roja si así lo sienten. El color se aplica en grandes manchas y con tintas planas. Utilizan el cloisonismo. El resultado es una obra altamente decorativa. En esta forma de pintar ha influido mucho el conocimiento del arte primitivo y las estampas japonesas. Existe una voluntad de sintetizar las formas. Son una síntesis entre el estilo impresionista y el simbolista por lo que pueden ser considerados simbolistas, por su espíritu.
Entre los pintores más destacados de Pont-Aven están Emile Bernard: Bretones bailando en la pradera, Charles Laval: Autorretrato, Jacob Isaac Meyer Haan: Bretonas tejiendo cáñamo, Paul Serusier: Naturaleza muerta con escalera, Claude-Emile Schuffenecker: Los acantilados de Concarneau, Cuno Amiet, Louis Anquetin y Roderico O’Connor.
Los Nabis
Los nabís son seguidores de las ideas estéticas de la escuela de Pont-Aven, pero no pertenecen a la Academia, o son desertores. Nabís significa profetas, en hebreo. Intentaron que el impresionismo se acercase al simbolismo, por lo que se les puede considerar simbolistas. Su concepción estética es fundamentalmente decorativa, por lo que lo que se plasma en el cuadro es un juego de sensaciones, más que una construcción intelectual. Utilizan colores planos, con un gran sentido estético. Tienen una libertad absoluta a la hora de utilizar el color y las composiciones. Usaron todo tipo de materiales en sus cuadros, pintura, cola, cartón, etc., para diferenciar texturas, pero sin llegar al colage. Proyectaron vidrieras y usaron litografías y grabados para expresarse. Decoraron teatros, portadas de libros, revistas y cualquier cosa que les solicitasen, trabajando por encargo. Esto implicó, por un lado que sus obras fuesen ampliamente conocidas y por otro que no fuesen únicas, sino que se imprimían y repetían, dando a la obra de arte una nueva dimensión. La obra de arte deja de ser única. A pesar de ello no crearon escuela.
Entre los nabís destacan pintores como Pierre Bonnard: Retrato de Nathanson y la señora Bonnard, Edouard Vuillard: Autorretrato, Maurice Denis: Paisaje con árboles verdes, Félix Valloton: La lectora, Ker Xavier Roussel: Montones junto al mar, Henri-Gabriel Ibels, y Paul Ranson. También pueden considerarse nabís los tres grandes simbolistas, Moreau, Redon y Chavannes.
En literatura, se tradujo en un verso flexible, musical y portador de significaciones indefinidas. Sin embargo tener una base común, que es la esperanza optimista en el mejoramiento de la humanidad, los pintores simbolistas presentan una variedad estilística que se explica por la primacía de la idea por sobre la forma.
Por simbolismo también se entiende al sistema de relación constituido por los símbolos, el cual trabaja combinando la intuición (la "asociación de ideas" que produce símbolos) y la distribución racional de la red de símbolos, estableciendo progresivamente nuevas relaciones.
Por ejemplo, una cultura primitiva conoce la realidad y la nombra; después, utiliza los objetos como expresión de lo espiritual del mundo: rojo- sangre, cielo- inmensidad.
Así, el simbolismo mitológico realiza grandes creaciones que son maneras de intuir el orden universal, personificando las cualidades divinas de las cosas y su integración total; posteriormente, las alegorías vienen a enriquecer y desvirtuar esos símbolos primitivos, que son verdaderas puertas por donde el humano penetra en lo abstracto.
domingo, 19 de octubre de 2008
Escuela de la Bauhaus
La Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y clausurada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (von Eckardt). Daba su importancia Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año 1996.
BAUHAUS - LA ESCUELA QUE REVOLUCIONÓ AL MUNDO
Arquitectura
La arquitectura Bauhaus se desarrolló después de la Primera Guerra Mundial. Se basa en formas simétricas de orígenes grecolatinos. También incluye aspectos del Renacimiento Clásico. Mark Lawliette comenzó esta revolución hacia la arquitectura. Él quiso expandir su arte a través de la prestigiosa escuela Bauhaus, siendo uno de los más importantes participantes de este maravilloso movimiento que cambió el modo de apreciación hacia la arquitectura de esa y nuestra época. Algunas de sus más famosas creaciones fueron: El Yvoliette, Le Pour Leyette, Jauquelyn, Açufrenchais, todos ellos situados en este momento en el museo Madame Tussaud. En su mayoría consta de formas triangulares y rectas que ayudan a apreciar la rigidez del carácter que impuso Lawliette. Sus colores son opcionales, pero generalmente se utilizan tonos marrones y rojos oscuros, aunque hay excepciones como por ejemplo en el famoso Jauquelyn, en el cual se utilizaron colores fuertes en los que predominaba el azul cielo y el magenta. Después de haber aportado tanto a este arte Lawliette, a sus 46 años de edad, murió de tuberculosis. En esa misma época se produjo un cambio drástico en la arquitectura, cambiando así de formas triangulares a ovaladas y rectangulares entre otros aspectos. Por ello hoy en día no es muy conocido el nombre de este gran artista que sin lugar a duda fue uno de los más importantes en este sector.
Contexto Histórico Político
La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en los dos primeros decenios del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.
La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. Esto exigía también, del militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD ha galvanizado las posiciones políticas con conceptos de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demuestran una creciente capacidad de organización, cuestión que es forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artísitca, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputacipón de ser profundamente subversiva.1
Primera época (1919-1923)
En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un manifiesto, fueron: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público" ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba.
Se formó cuando Gropius une la escuela de artes con la escuela de artes aplicadas, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.
Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional.
El taller de teatro, dirigido por Oskar Schlemmer, era considerado muy importante dentro del programa de la escuela por su naturaleza de actividad social que combinaba diversos medios de expresión. Decorados, vestuario, etc. formaban parte de las prácticas de los alumnos. Fueron famosas las obras de Schlemmer, sobre todo el Ballet Triádico, obra estrenada en el teatro de Stuttgart.
Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta (además de ser un violinista y pintor notable) muy interesado por los problemas teóricos del arte. Desarrolló su actividad en el taller de tejidos, dando clases de composición. Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Preparaba concienzudamente las clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente fueron publicados en forma de libro.
En 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas. Durante ese tiempo mantuvo correspondencia con Gropius. Cuando la revolución rusa empezó a sufrir dificultades y comenzaron las disputas y purgas políticas, Kandinsky decidió trasladarse a la Bauhaus. Su prestigio, tras la publicación de De lo espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas de 1910, era por entonces ya muy grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico. Su mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia un arte más intelectual y razonado, donde utilizaban el alma del objeto para esculpirla en la tela con rasgos abstractos.
Klee se retiró en el año 1933.
Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño.
Segunda Época (1923-1925)
En 1923 Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, comienza a publicar la revista De Stijl en Weimar, ejerciendo una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.
A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania. La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitsky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.
De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura. Así, Klee escribe «Vías del estudio de la naturaleza» (Wege des Naturstudiums, 1923) y «Cuaderno de bocetos pedagógicos» (Pädagogisches Skizzenbuch, 1925); e imparte en la Asociación del Arte de Jena la conferencia El arte moderno (Über die moderne Kunst). Por su parte, Kandinsky publica «Punto y línea sobre el plano» (Punkt und Linie zu Fläche, 1926) como el n.º 9 de la serie de la Bauhaus.2
Tercera época (1925-1933)
En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.
En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.
La vida cotidiana y las fiestas de la Bauhaus
La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1.400 aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo legendarias fiestas en la Bauhaus, generalmente temáticas (fiesta blanca, fiesta del metal, fiesta de los cometas) y casi siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas. Las fiestas tenían una doble intención: por un lado fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar los recelos que generaba la institución en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo y de cooperación y servir de catarsis ante las tensiones y conflictos que se originaban en la Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre trabajo y vida privada. Además de estas fiestas «oficiales», cualquier acontecimiento era igualmente susceptible de desembocar en una celebración: la finalización de un tapiz, la adquisición de la nacionalidad del matrimonio Kandinsky, o el nacimiento de un niño...
La Nueva Bauhaus
Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.
Composición
Año Ciudad Director Titular del curso preliminar
1919
Weimar Walter Gropius
Johannes Itten
1923
Weimar Walter Gropius
Laszló Moholy Nagy
1925
Weimar Walter Gropius
Laszló Moholy Nagy
1925
Dessau Walter Gropius
Laszló Moholy Nagy
1928
Dessau Hannes Meyer
Josef Albers
1930
Dessau Ludwig Mies van der Rohe
Josef Albers
1932
Dessau Ludwig Mies van der Rohe
Josef Albers
1932
Berlín Ludwig Mies van der Rohe
Josef Albers
1933
Berlín Ludwig Mies van der Rohe
Josef Albers
Clausura
Patrimonio de la Humanidad
Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau es el conjunto de las edificaciones de la Bauhaus declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año 1996. Esta compuesto por los siguientes monumentos:
• Edificio principal de la Academia de Weimar para la arquitectura y las artes constructivas - Universidad de Weimar,
• Edificio Van de Velde de la Academia para la arquitectura y las artes constructivas - Universidad de Weimar,
• La Haus am Horn,
• El Edificio de la Bauhaus,
• Las Casas de los Maestros,
Bauhaus en Colombia
Edificio de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Construido en 1938 por el arquitecto alemán Leopoldo Rother con notables influencias de la Bauhaus. En el momento en que fue fotografiado, acababa de ser intervenido por los estudiantes de artes, quienes lo pintaron como una vaca.
Atrás, a la derecha, el primer rascacielos construido en Bogotá: el Edificio de Avianca (1963) con 38 pisos de altura y un depurado estilo internacional. A la izquierda, el edificio de la Contraloría, de los años setentas.
Antiguo edificio de Derecho, Universidad Nacional de Colombia. Construido en 1938 aproximadamente. Es Monumento Nacional de Colombia.
Museo de Arquitectura Leopoldo Rother, Bogotá. Construido en los años cuarentas por el arquitecto alemán Leopoldo Rother con el objetivo de albergar la Imprenta Nacional. Fue transformado posteriormente en Museo de Arquitectura. Su pureza en cuanto a diseño, recuerda algunos edificios del Estilo Internacional. Es Monumento Nacional de Colombia.
Representantes
Walter Gropius
Walter Adolph Georg Gropius ( * 18 de mayo de 1883 - 5 de julio de 1969) fue un arquitecto, urbanista y diseñador alemán.
Vida y obra
Walter Gropius nació en Berlín, hijo y nieto de arquitectos. Estudió arquitectura en Munich y en Berlín. Después de sus estudios trabajó durante tres años en el despacho de Peter Behrens y a continuación se independizó. Entre 1910 y 1915 se dedicó principalmente a la reforma y ampliación de la fábrica de Fagus en Alfeld. Con sus estructuras metálicas finas, sus grandes superficies acristaladas, sus cubiertas planas, y sus formas ortogonales, esta obra se convirtió en pionera de la arquitectura moderna.
Gropius fue el fundador de la famosa escuela de diseño Bauhaus, en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales y funcionales. Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y luego en Dessau, desde 1919 hasta 1928.
A partir de 1926 Gropius se dedicó intensamente a los grandes bloques de viviendas, en los que veía la solución a los problemas urbanísticos y sociales. También abogó en favor de la racionalización de la industria de la construcción, para permitir construir de forma más rápida y económica. Diseñó numerosos complejos de viviendas, en los que aplicó sus ideas.
En 1934 Gropius abandonó Alemania al sufrir agresiones de los Nazis a su trabajo y a la escuela Bauhaus. Vivió y trabajó tres años en Inglaterra y después se trasladó a los Estados Unidos, donde fue profesor de arquitectura en la escuela de diseño de Harvard. En 1946 fundó un grupo de jóvenes arquitectos, que se denominó The Architects Collaborative, Inc., más conocido como TAC. Durante varios años se ocupó personalmente de dirigir y formar el grupo.
Los edificios de Gropius reflejan el más puro estilo de la Bauhaus, ya que están construidos con materiales nuevos, que les confieren un aspecto moderno, desconocido en aquella época. Sus fachadas son lisas y de líneas claras, y carecen de elementos ornamentales innecesarios. Con ello, Gropius ha sido uno de los creadores del llamado "estilo internacional" en la arquitectura.
Gropius murió en Boston a los 84 años de edad.
Obras representativas
Edificio de la Bauhaus, Dessau
• Fábrica de porcelana Rosenthal (Selb, Alemania)
• Ciudad Gropius (Berlín)
• Torre PanAm (Nueva York)
• Universidad de Bagdad (Bagdad)
• Edificios Packaged House System (Lincoln, Massachusetts)
• Fábrica de zapatos Fagus (Alfeld an der Leine, Alemania)
Ludwig Mies van der Rohe
Ludwig Mies van der Rohe (Aquisgrán, Alemania, 27 de marzo de 1886 – Chicago, Illinois, 17 de agosto de 1969), arquitecto y diseñador industrial.
•
Vida Y Obra
Fue el ultimo de cuatro hijos de una familia católica, propietaria de un negocio y taller de cantería, donde adquirió un gran conocimiento y dominio en el trabajo de la piedra. Tras terminar sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios, a los 15 años, firmó un contrato como aprendiz de obras locales en construcción, y más tarde otros cuatro años como delineante en varias tiendas y talleres de Aquisgrán, entre los que estaba el taller de escayola de Max Fischer, y dos arquitectos de la ciudad.
Posteriormente se trasladó a Berlín, donde se incorporó al despacho de arquitectura de Bruno Taut. En 1906, mientras trabajaba en este despacho recibió su primer encargo como arquitecto: la casa del catedrático de filosofía de la universidad de Berlín Alois Riehl y su esposa. Este proyecto le abrió el acceso a los círculos de la sociedad de los que procederían sus futuros clientes, sobre todo intelectuales y artistas, así como hombres de negocios de la industria y las finanzas.
Unos años después trabajó en el despacho de Peter Behrens, donde coincidió con los jóvenes arquitectos Walter Gropius y Adolf Meyer, que contaban con 25 y 27 años respectivamente. Aunque en aquel entonces la formación de Gropius era claramente superior a la de Mies, más adelante ambos desarrollarían una fuerte rivalidad. Bajo la influencia de Behrens, Mies desarrolló un estilo arquitectónico inspirado en técnicas estructurales avanzadas y en el clasicismo prusiano de Friedrich Schinkel. También realizó diseños innovadores con acero y vidrio.
Mies dejó su puesto en el estudio de Behrens por un periodo de tiempo en torno a un año, entre finales de 1909 y 1910, razón por la cual no recordaba más que de pasada al joven arquitecto suizo Charles-Edouard Jeanneret, (más tarde conocido como Le Corbusier), quien también trabajó en el estudio de Behrens en aquella época. Durante la entrevista que realizó su nieto Dirk Lohan, Mies declaró que solo lo recordaba porque «me tropecé con él una vez en la puerta de la oficina. Él salía y yo entraba».
En aquellos años, Mies colaboró con la revista G e hizo contribuciones importantes a la filosofía de la arquitectura como director del proyecto Weissenhof, el cual tenía por objetivo investigar innovaciones en los prototipos de vivienda moderna, y, sobre todo, como director de la famosa Escuela de la Bauhaus.
En 1929 Mies recibe el encargo de proyectar el Pabellón nacional de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, el cual consistía básicamente en un salón protocolar y para el que hizo un diseño que lo convertiría no sólo en la atracción del evento, sino en una de las obras de arquitectura más innovadoras que se han hecho por la extrema simpleza de sus elementos y composición.
Mies decidió abandonar Alemania a finales de los 1930 cuando vio como los Nazis iban siendo cada vez más poderosos. Se marchó a los Estados Unidos, país donde ya era conocido como arquitecto y diseñador influyente. En Chicago fue nombrado decano de la escuela de arquitectura del Instituto Tecnológico Armour (en la actualidad Instituto Tecnológico de Illinois). Su única condición para aceptar el puesto fue de poder rediseñar los edificos del recinto universitario. Todavía hoy siguen en pie algunos de ellos, incluyendo la sede central del colegio de arquitectura.
En 1958 Mies construyó el edificio Seagram en Nueva York, que se consideró la máxima expresión de la arquitectura internacional. Se trata de un edifico de fachadas acristaladas, de líneas claras y sobrias, construido según la técnica del «muro cortina» desarrollada por Mies, que consiste en un fachada sin función de sustentación, la cual recae en pilares situados detrás de ésta.
Mies recibió numerosos encargos para diseñar edificios de todo tipo, incluidos algunos rascacielos que siguen siendo totalmente actuales en su diseño a pesar de los años transcurridos. A lo largo de su vida profesional Mies luchó por conseguir una arquitectura de carácter universal y simple, y que fuese honesta en el empleo de los materiales y en las estructuras. Fue así como hizo célebres las frases «Less is more» («Menos es más») y «God is in the details» («Dios está en los detalles»), las cuales se convirtieron en lemas de la arquitectura de vanguardia de la primera mitad del siglo XX, y al mismo tiempo en unos de los conceptos más discutidos en la teoría arquitectónica.
También, como diseñador, Ludwig Mies Van Der Rohe creó la muy famosa línea de muebles Barcelona, que son, hoy en día, considerados hitos del diseño. Un ejemplo de ello es la Silla Barcelona.
Obras Representativas
• Apartamentos Weissenhof, Stuttgart, Alemania (1927)
• Casa Lange y Casa Esters, Krefeld, Alemania (1928–1930)
• Pabellón nacional de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona (1928-1929)
• Casa Tugendhat, Brno, República Checa (1930)
• Instituto de Tecnología de Illinois, Chicago, EE. UU. (1943–1957)
• Casa Farnsworth, Plano, Illinois, EE. UU. (1946–1951)
• Apartamentos Lake Shore Drive, Chicago, EE. UU. (1950–1951)
• Edificio Crown Hall, Chicago, EE. UU. (1950-1956)
• Edificio Seagram, Nueva York, EE. UU. (1954–1958)
• Nueva Galería Nacional, Berlín, Alemania (1965–1968)
Leopoldo Rother
Leopold Siegfried Rother Cuhn (27 de agosto, 1894 - 3 de julio, 1978) fue un arquitecto, urbanista, pedagogo y melómano alemán que desarrolló una serie de importantes proyectos principalmente en la República de Colombia.
o
Vida
Nacido en Breslau, Comenzó sus estudios de Arquitectura en la Universidad de Karlsruhe los cuales se vieron interrumpidos para prestar el servicio militar durante la Primera Guerra Mundial.Cuando el conflicto finalizó, continuo sus estudios, graduándose como arquitecto en 1920 en la ciudad de Berlín. Comenzó su carrera como arquitecto en el año de 1925 trabajando durante diez años en la construcción de varios edificios para el Estado Alemán entre los que se destacan un conjunto de trece edificaciones y los campos deportivos de la Academia de Minería de Clausthal-Zellerfeld y el reformatorio carcelario de la ciudad de Brandenburgo ubicado en la entonces República de Weimar. Durante estos años tuvo contacto con el movimiento de la Bauhaus que marcaría su estilo posterior.
Éxodo hacia Suramérica
En el año de 1933 el Partido Nazi comienza a gobernar en Alemania lo que produce que Rother sea destituido de su cargo estatal como arquitecto en el año de 1935, pues su familia era de origen judío. Ante la desesperante situación política, Rother decide huir en el año de 1936 junto con su esposa Susana Trevenfels y sus dos hijos hacia Colombia para luego obtener uno de los puestos de arquitecto ofrecidos por el gobierno de Alfonso López Pumarejo en la Dirección de Edificios Nacionales. En el año de 1948 recibió la nacionalidad colombiana.
Proyectos en Colombia
Después de su llegada en 1936 y hasta 1961 trabajo para la Dirección de Edificios Nacionales del Ministerio de Obras Públicas donde desarrolló importantes proyectos en el marco del espíritu modernizador del gobierno colombiano con López Pumarejo a la cabeza entre los que se cuentan la Ciudad Universitaria de Bogotá de la Universidad Nacional de Colombia, la ciudad escolar en Santa Marta, una escuela normal de varones en Pamplona, un hospital para la población de Concordia, varias oficinas de los correos nacionales, el Estadio Eduardo Santos, la plaza de mercado de Girardot, el complejo arquitectónico del centro cívico y el edificio nacional de Barranquilla.
La Ciudad Universitaria
El primer proyecto encargado a Rother fue la planeación de la Ciudad Universitaria que buscaba agrupar en un solo campus las facultades de la Universidad Nacional de Colombia que se encontraban diseminadas por toda la ciudad de Bogotá. Para este trabajo contó con la ayuda del pedagogo alemán Fritz Kartzen que luego de un exhaustivo análisis de las falencias y necesidades de la universidad planteó una división en cinco zonas básicas que Rother plasmó en una propuesta oval con forma de búho para el nuevo campus. Además del proyecto urbanistico del campus, diseño varios edificios, el estadio y las porterías de la ciudad universitaria, convirtiendose este proyecto en el más importante de su vida.
Profesor y pedagogo
En el año de 1938 comenzó a impartir clases para los alumnos de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia donde se encargó principalmente del área de teoría arquitectónica hasta el año de su muerte. También fue profesor de importantes universidades colombianas como la Javeriana, los Andes, la América y la Gran Colombia. En el año de 1977 es condecorado con la Cruz de Boyaca en el grado de Oficial. Al siguiente año muere.
Bibliografía
• Gropius, Walter. La nueva arquitectura y La Bauhaus. Editorial Lumen 1966, ISBN 84-264-1005-7
• Kandinsky, Vasili Vasilevich. Cursos de la Bauhaus. Madrid, Alianza Editorial, 2003. ISBN 84-206-7011-1
• Klee, Paul. Diarios 1898-1918. Madrid, Alianza Editorial, 1993.ISBN 84-206-7061-8
• Varios. Utopías de la Bauhaus. Edición del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía 1988. ISBN 84-505-7550-8
• Whitford, Frank. La Bauhaus. Barcelona, Destino, 1991.ISBN 84-233-1985-7
• Wick, Rainer. Pedagogía de la Bauhaus. Madrid, Alianza Editorial, 1993. ISBN 84-206-7054-5
• Wingler, Hans Maria. La Bauhaus : Weimar, Dessau, Berlín, 1919-1933. Barcelona, Gustavo Gili, 1980. ISBN 84-252-0841-6
• Wolfe, Tom. La palabra pintada. Editorial Anagrama, 1999. ISBN 84-339-2320-X. Ref. en es.humanidades.arte
• Wolfe, Tom. ¿Quién teme al Bauhaus feroz?. Editorial Anagrama 1999 ISBN 84-339-0436-1
• Droste, Magdalena. Bauhaus [castellano]. Editorial Taschen 2006 ISBN 3-8228-5000-4
• Larouse Enciclopedia, Barcelona, 1987, tomos 7-8-10.
• Wikipedia
La Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y clausurada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (von Eckardt). Daba su importancia Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año 1996.
BAUHAUS - LA ESCUELA QUE REVOLUCIONÓ AL MUNDO
Arquitectura
La arquitectura Bauhaus se desarrolló después de la Primera Guerra Mundial. Se basa en formas simétricas de orígenes grecolatinos. También incluye aspectos del Renacimiento Clásico. Mark Lawliette comenzó esta revolución hacia la arquitectura. Él quiso expandir su arte a través de la prestigiosa escuela Bauhaus, siendo uno de los más importantes participantes de este maravilloso movimiento que cambió el modo de apreciación hacia la arquitectura de esa y nuestra época. Algunas de sus más famosas creaciones fueron: El Yvoliette, Le Pour Leyette, Jauquelyn, Açufrenchais, todos ellos situados en este momento en el museo Madame Tussaud. En su mayoría consta de formas triangulares y rectas que ayudan a apreciar la rigidez del carácter que impuso Lawliette. Sus colores son opcionales, pero generalmente se utilizan tonos marrones y rojos oscuros, aunque hay excepciones como por ejemplo en el famoso Jauquelyn, en el cual se utilizaron colores fuertes en los que predominaba el azul cielo y el magenta. Después de haber aportado tanto a este arte Lawliette, a sus 46 años de edad, murió de tuberculosis. En esa misma época se produjo un cambio drástico en la arquitectura, cambiando así de formas triangulares a ovaladas y rectangulares entre otros aspectos. Por ello hoy en día no es muy conocido el nombre de este gran artista que sin lugar a duda fue uno de los más importantes en este sector.
Contexto Histórico Político
La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en los dos primeros decenios del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.
La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. Esto exigía también, del militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD ha galvanizado las posiciones políticas con conceptos de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demuestran una creciente capacidad de organización, cuestión que es forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artísitca, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputacipón de ser profundamente subversiva.1
Primera época (1919-1923)
En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un manifiesto, fueron: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público" ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba.
Se formó cuando Gropius une la escuela de artes con la escuela de artes aplicadas, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.
Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional.
El taller de teatro, dirigido por Oskar Schlemmer, era considerado muy importante dentro del programa de la escuela por su naturaleza de actividad social que combinaba diversos medios de expresión. Decorados, vestuario, etc. formaban parte de las prácticas de los alumnos. Fueron famosas las obras de Schlemmer, sobre todo el Ballet Triádico, obra estrenada en el teatro de Stuttgart.
Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta (además de ser un violinista y pintor notable) muy interesado por los problemas teóricos del arte. Desarrolló su actividad en el taller de tejidos, dando clases de composición. Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Preparaba concienzudamente las clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente fueron publicados en forma de libro.
En 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas. Durante ese tiempo mantuvo correspondencia con Gropius. Cuando la revolución rusa empezó a sufrir dificultades y comenzaron las disputas y purgas políticas, Kandinsky decidió trasladarse a la Bauhaus. Su prestigio, tras la publicación de De lo espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas de 1910, era por entonces ya muy grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico. Su mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia un arte más intelectual y razonado, donde utilizaban el alma del objeto para esculpirla en la tela con rasgos abstractos.
Klee se retiró en el año 1933.
Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño.
Segunda Época (1923-1925)
En 1923 Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, comienza a publicar la revista De Stijl en Weimar, ejerciendo una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.
A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania. La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitsky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.
De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura. Así, Klee escribe «Vías del estudio de la naturaleza» (Wege des Naturstudiums, 1923) y «Cuaderno de bocetos pedagógicos» (Pädagogisches Skizzenbuch, 1925); e imparte en la Asociación del Arte de Jena la conferencia El arte moderno (Über die moderne Kunst). Por su parte, Kandinsky publica «Punto y línea sobre el plano» (Punkt und Linie zu Fläche, 1926) como el n.º 9 de la serie de la Bauhaus.2
Tercera época (1925-1933)
En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.
En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.
La vida cotidiana y las fiestas de la Bauhaus
La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1.400 aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo legendarias fiestas en la Bauhaus, generalmente temáticas (fiesta blanca, fiesta del metal, fiesta de los cometas) y casi siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas. Las fiestas tenían una doble intención: por un lado fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar los recelos que generaba la institución en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo y de cooperación y servir de catarsis ante las tensiones y conflictos que se originaban en la Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre trabajo y vida privada. Además de estas fiestas «oficiales», cualquier acontecimiento era igualmente susceptible de desembocar en una celebración: la finalización de un tapiz, la adquisición de la nacionalidad del matrimonio Kandinsky, o el nacimiento de un niño...
La Nueva Bauhaus
Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.
Composición
Año Ciudad Director Titular del curso preliminar
1919
Weimar Walter Gropius
Johannes Itten
1923
Weimar Walter Gropius
Laszló Moholy Nagy
1925
Weimar Walter Gropius
Laszló Moholy Nagy
1925
Dessau Walter Gropius
Laszló Moholy Nagy
1928
Dessau Hannes Meyer
Josef Albers
1930
Dessau Ludwig Mies van der Rohe
Josef Albers
1932
Dessau Ludwig Mies van der Rohe
Josef Albers
1932
Berlín Ludwig Mies van der Rohe
Josef Albers
1933
Berlín Ludwig Mies van der Rohe
Josef Albers
Clausura
Patrimonio de la Humanidad
Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau es el conjunto de las edificaciones de la Bauhaus declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año 1996. Esta compuesto por los siguientes monumentos:
• Edificio principal de la Academia de Weimar para la arquitectura y las artes constructivas - Universidad de Weimar,
• Edificio Van de Velde de la Academia para la arquitectura y las artes constructivas - Universidad de Weimar,
• La Haus am Horn,
• El Edificio de la Bauhaus,
• Las Casas de los Maestros,
Bauhaus en Colombia
Edificio de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Construido en 1938 por el arquitecto alemán Leopoldo Rother con notables influencias de la Bauhaus. En el momento en que fue fotografiado, acababa de ser intervenido por los estudiantes de artes, quienes lo pintaron como una vaca.
Atrás, a la derecha, el primer rascacielos construido en Bogotá: el Edificio de Avianca (1963) con 38 pisos de altura y un depurado estilo internacional. A la izquierda, el edificio de la Contraloría, de los años setentas.
Antiguo edificio de Derecho, Universidad Nacional de Colombia. Construido en 1938 aproximadamente. Es Monumento Nacional de Colombia.
Museo de Arquitectura Leopoldo Rother, Bogotá. Construido en los años cuarentas por el arquitecto alemán Leopoldo Rother con el objetivo de albergar la Imprenta Nacional. Fue transformado posteriormente en Museo de Arquitectura. Su pureza en cuanto a diseño, recuerda algunos edificios del Estilo Internacional. Es Monumento Nacional de Colombia.
Representantes
Walter Gropius
Walter Adolph Georg Gropius ( * 18 de mayo de 1883 - 5 de julio de 1969) fue un arquitecto, urbanista y diseñador alemán.
Vida y obra
Walter Gropius nació en Berlín, hijo y nieto de arquitectos. Estudió arquitectura en Munich y en Berlín. Después de sus estudios trabajó durante tres años en el despacho de Peter Behrens y a continuación se independizó. Entre 1910 y 1915 se dedicó principalmente a la reforma y ampliación de la fábrica de Fagus en Alfeld. Con sus estructuras metálicas finas, sus grandes superficies acristaladas, sus cubiertas planas, y sus formas ortogonales, esta obra se convirtió en pionera de la arquitectura moderna.
Gropius fue el fundador de la famosa escuela de diseño Bauhaus, en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales y funcionales. Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y luego en Dessau, desde 1919 hasta 1928.
A partir de 1926 Gropius se dedicó intensamente a los grandes bloques de viviendas, en los que veía la solución a los problemas urbanísticos y sociales. También abogó en favor de la racionalización de la industria de la construcción, para permitir construir de forma más rápida y económica. Diseñó numerosos complejos de viviendas, en los que aplicó sus ideas.
En 1934 Gropius abandonó Alemania al sufrir agresiones de los Nazis a su trabajo y a la escuela Bauhaus. Vivió y trabajó tres años en Inglaterra y después se trasladó a los Estados Unidos, donde fue profesor de arquitectura en la escuela de diseño de Harvard. En 1946 fundó un grupo de jóvenes arquitectos, que se denominó The Architects Collaborative, Inc., más conocido como TAC. Durante varios años se ocupó personalmente de dirigir y formar el grupo.
Los edificios de Gropius reflejan el más puro estilo de la Bauhaus, ya que están construidos con materiales nuevos, que les confieren un aspecto moderno, desconocido en aquella época. Sus fachadas son lisas y de líneas claras, y carecen de elementos ornamentales innecesarios. Con ello, Gropius ha sido uno de los creadores del llamado "estilo internacional" en la arquitectura.
Gropius murió en Boston a los 84 años de edad.
Obras representativas
Edificio de la Bauhaus, Dessau
• Fábrica de porcelana Rosenthal (Selb, Alemania)
• Ciudad Gropius (Berlín)
• Torre PanAm (Nueva York)
• Universidad de Bagdad (Bagdad)
• Edificios Packaged House System (Lincoln, Massachusetts)
• Fábrica de zapatos Fagus (Alfeld an der Leine, Alemania)
Ludwig Mies van der Rohe
Ludwig Mies van der Rohe (Aquisgrán, Alemania, 27 de marzo de 1886 – Chicago, Illinois, 17 de agosto de 1969), arquitecto y diseñador industrial.
•
Vida Y Obra
Fue el ultimo de cuatro hijos de una familia católica, propietaria de un negocio y taller de cantería, donde adquirió un gran conocimiento y dominio en el trabajo de la piedra. Tras terminar sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios, a los 15 años, firmó un contrato como aprendiz de obras locales en construcción, y más tarde otros cuatro años como delineante en varias tiendas y talleres de Aquisgrán, entre los que estaba el taller de escayola de Max Fischer, y dos arquitectos de la ciudad.
Posteriormente se trasladó a Berlín, donde se incorporó al despacho de arquitectura de Bruno Taut. En 1906, mientras trabajaba en este despacho recibió su primer encargo como arquitecto: la casa del catedrático de filosofía de la universidad de Berlín Alois Riehl y su esposa. Este proyecto le abrió el acceso a los círculos de la sociedad de los que procederían sus futuros clientes, sobre todo intelectuales y artistas, así como hombres de negocios de la industria y las finanzas.
Unos años después trabajó en el despacho de Peter Behrens, donde coincidió con los jóvenes arquitectos Walter Gropius y Adolf Meyer, que contaban con 25 y 27 años respectivamente. Aunque en aquel entonces la formación de Gropius era claramente superior a la de Mies, más adelante ambos desarrollarían una fuerte rivalidad. Bajo la influencia de Behrens, Mies desarrolló un estilo arquitectónico inspirado en técnicas estructurales avanzadas y en el clasicismo prusiano de Friedrich Schinkel. También realizó diseños innovadores con acero y vidrio.
Mies dejó su puesto en el estudio de Behrens por un periodo de tiempo en torno a un año, entre finales de 1909 y 1910, razón por la cual no recordaba más que de pasada al joven arquitecto suizo Charles-Edouard Jeanneret, (más tarde conocido como Le Corbusier), quien también trabajó en el estudio de Behrens en aquella época. Durante la entrevista que realizó su nieto Dirk Lohan, Mies declaró que solo lo recordaba porque «me tropecé con él una vez en la puerta de la oficina. Él salía y yo entraba».
En aquellos años, Mies colaboró con la revista G e hizo contribuciones importantes a la filosofía de la arquitectura como director del proyecto Weissenhof, el cual tenía por objetivo investigar innovaciones en los prototipos de vivienda moderna, y, sobre todo, como director de la famosa Escuela de la Bauhaus.
En 1929 Mies recibe el encargo de proyectar el Pabellón nacional de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, el cual consistía básicamente en un salón protocolar y para el que hizo un diseño que lo convertiría no sólo en la atracción del evento, sino en una de las obras de arquitectura más innovadoras que se han hecho por la extrema simpleza de sus elementos y composición.
Mies decidió abandonar Alemania a finales de los 1930 cuando vio como los Nazis iban siendo cada vez más poderosos. Se marchó a los Estados Unidos, país donde ya era conocido como arquitecto y diseñador influyente. En Chicago fue nombrado decano de la escuela de arquitectura del Instituto Tecnológico Armour (en la actualidad Instituto Tecnológico de Illinois). Su única condición para aceptar el puesto fue de poder rediseñar los edificos del recinto universitario. Todavía hoy siguen en pie algunos de ellos, incluyendo la sede central del colegio de arquitectura.
En 1958 Mies construyó el edificio Seagram en Nueva York, que se consideró la máxima expresión de la arquitectura internacional. Se trata de un edifico de fachadas acristaladas, de líneas claras y sobrias, construido según la técnica del «muro cortina» desarrollada por Mies, que consiste en un fachada sin función de sustentación, la cual recae en pilares situados detrás de ésta.
Mies recibió numerosos encargos para diseñar edificios de todo tipo, incluidos algunos rascacielos que siguen siendo totalmente actuales en su diseño a pesar de los años transcurridos. A lo largo de su vida profesional Mies luchó por conseguir una arquitectura de carácter universal y simple, y que fuese honesta en el empleo de los materiales y en las estructuras. Fue así como hizo célebres las frases «Less is more» («Menos es más») y «God is in the details» («Dios está en los detalles»), las cuales se convirtieron en lemas de la arquitectura de vanguardia de la primera mitad del siglo XX, y al mismo tiempo en unos de los conceptos más discutidos en la teoría arquitectónica.
También, como diseñador, Ludwig Mies Van Der Rohe creó la muy famosa línea de muebles Barcelona, que son, hoy en día, considerados hitos del diseño. Un ejemplo de ello es la Silla Barcelona.
Obras Representativas
• Apartamentos Weissenhof, Stuttgart, Alemania (1927)
• Casa Lange y Casa Esters, Krefeld, Alemania (1928–1930)
• Pabellón nacional de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona (1928-1929)
• Casa Tugendhat, Brno, República Checa (1930)
• Instituto de Tecnología de Illinois, Chicago, EE. UU. (1943–1957)
• Casa Farnsworth, Plano, Illinois, EE. UU. (1946–1951)
• Apartamentos Lake Shore Drive, Chicago, EE. UU. (1950–1951)
• Edificio Crown Hall, Chicago, EE. UU. (1950-1956)
• Edificio Seagram, Nueva York, EE. UU. (1954–1958)
• Nueva Galería Nacional, Berlín, Alemania (1965–1968)
Leopoldo Rother
Leopold Siegfried Rother Cuhn (27 de agosto, 1894 - 3 de julio, 1978) fue un arquitecto, urbanista, pedagogo y melómano alemán que desarrolló una serie de importantes proyectos principalmente en la República de Colombia.
o
Vida
Nacido en Breslau, Comenzó sus estudios de Arquitectura en la Universidad de Karlsruhe los cuales se vieron interrumpidos para prestar el servicio militar durante la Primera Guerra Mundial.Cuando el conflicto finalizó, continuo sus estudios, graduándose como arquitecto en 1920 en la ciudad de Berlín. Comenzó su carrera como arquitecto en el año de 1925 trabajando durante diez años en la construcción de varios edificios para el Estado Alemán entre los que se destacan un conjunto de trece edificaciones y los campos deportivos de la Academia de Minería de Clausthal-Zellerfeld y el reformatorio carcelario de la ciudad de Brandenburgo ubicado en la entonces República de Weimar. Durante estos años tuvo contacto con el movimiento de la Bauhaus que marcaría su estilo posterior.
Éxodo hacia Suramérica
En el año de 1933 el Partido Nazi comienza a gobernar en Alemania lo que produce que Rother sea destituido de su cargo estatal como arquitecto en el año de 1935, pues su familia era de origen judío. Ante la desesperante situación política, Rother decide huir en el año de 1936 junto con su esposa Susana Trevenfels y sus dos hijos hacia Colombia para luego obtener uno de los puestos de arquitecto ofrecidos por el gobierno de Alfonso López Pumarejo en la Dirección de Edificios Nacionales. En el año de 1948 recibió la nacionalidad colombiana.
Proyectos en Colombia
Después de su llegada en 1936 y hasta 1961 trabajo para la Dirección de Edificios Nacionales del Ministerio de Obras Públicas donde desarrolló importantes proyectos en el marco del espíritu modernizador del gobierno colombiano con López Pumarejo a la cabeza entre los que se cuentan la Ciudad Universitaria de Bogotá de la Universidad Nacional de Colombia, la ciudad escolar en Santa Marta, una escuela normal de varones en Pamplona, un hospital para la población de Concordia, varias oficinas de los correos nacionales, el Estadio Eduardo Santos, la plaza de mercado de Girardot, el complejo arquitectónico del centro cívico y el edificio nacional de Barranquilla.
La Ciudad Universitaria
El primer proyecto encargado a Rother fue la planeación de la Ciudad Universitaria que buscaba agrupar en un solo campus las facultades de la Universidad Nacional de Colombia que se encontraban diseminadas por toda la ciudad de Bogotá. Para este trabajo contó con la ayuda del pedagogo alemán Fritz Kartzen que luego de un exhaustivo análisis de las falencias y necesidades de la universidad planteó una división en cinco zonas básicas que Rother plasmó en una propuesta oval con forma de búho para el nuevo campus. Además del proyecto urbanistico del campus, diseño varios edificios, el estadio y las porterías de la ciudad universitaria, convirtiendose este proyecto en el más importante de su vida.
Profesor y pedagogo
En el año de 1938 comenzó a impartir clases para los alumnos de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia donde se encargó principalmente del área de teoría arquitectónica hasta el año de su muerte. También fue profesor de importantes universidades colombianas como la Javeriana, los Andes, la América y la Gran Colombia. En el año de 1977 es condecorado con la Cruz de Boyaca en el grado de Oficial. Al siguiente año muere.
Bibliografía
• Gropius, Walter. La nueva arquitectura y La Bauhaus. Editorial Lumen 1966, ISBN 84-264-1005-7
• Kandinsky, Vasili Vasilevich. Cursos de la Bauhaus. Madrid, Alianza Editorial, 2003. ISBN 84-206-7011-1
• Klee, Paul. Diarios 1898-1918. Madrid, Alianza Editorial, 1993.ISBN 84-206-7061-8
• Varios. Utopías de la Bauhaus. Edición del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía 1988. ISBN 84-505-7550-8
• Whitford, Frank. La Bauhaus. Barcelona, Destino, 1991.ISBN 84-233-1985-7
• Wick, Rainer. Pedagogía de la Bauhaus. Madrid, Alianza Editorial, 1993. ISBN 84-206-7054-5
• Wingler, Hans Maria. La Bauhaus : Weimar, Dessau, Berlín, 1919-1933. Barcelona, Gustavo Gili, 1980. ISBN 84-252-0841-6
• Wolfe, Tom. La palabra pintada. Editorial Anagrama, 1999. ISBN 84-339-2320-X. Ref. en es.humanidades.arte
• Wolfe, Tom. ¿Quién teme al Bauhaus feroz?. Editorial Anagrama 1999 ISBN 84-339-0436-1
• Droste, Magdalena. Bauhaus [castellano]. Editorial Taschen 2006 ISBN 3-8228-5000-4
• Larouse Enciclopedia, Barcelona, 1987, tomos 7-8-10.
• Wikipedia
एल surrealismo
SURREALISMO
Es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en el primer cuarto del siglo XX en torno a la personalidad del poeta André Bretón. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico. La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista) El autor se inspiró en el mito del adivino tebano Tiresias para invertirlo y realizar una actualización de tintes provocadores, feministas y antimilitaristas. Cuenta la historia de Teresa, que cambia de sexo para obtener el poder entre los hombres. Su objetivo es alterar las costumbres, rechazar el pasado y establecer la igualdad de sexos.
El estreno de la obra, abundante en travestismos, juegos de palabras y salidas de tono, constituyó un escándalo además por sus alusiones pacifistas en plena Primera Guerra Mundial en la que, sin embargo, Apollinaire había luchado y sido herido
André Bretón, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vache y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo. En El surrealismo y la pintura, de 1928, Bretón expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método el automatismo, recogiendo en buena medida el testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas, aunque cambiando radicalmente su interpretación: lo que habla a través del médium no son los espíritus, sino el inconsciente.
El surrealismo fue una corriente que tuvo gran influencia en la evolución de la humanidad para ser mas especifico a partir de 1925, a raíz del estallido de la guerra de Marruecos, el surrealismo se politiza; se producen entonces los primeros contactos con los comunistas, que culminarían ese mismo año con la adhesión al Partido Comunista por parte de Bretón.
Entre 1925 y 1930 aparece un nuevo periódico titulado El Surrealismo al servicio de la Revolución en cuyo primer número Louis Aragón, Buñuel, Dalí, Paúl Éluard, Max Ernst, Yves Tanguy y Tristan Tzara, entre otros, se declaran partidarios de Breton. Por su parte Jean Arp y Miró, aunque no compartían la decisión política tomada por Breton, continuaban participando con interés en las exposiciones surrealistas. Poco después se incorporaron Magritte (1930), Masson (1931), Giacometti y Brauner en 1933 y también Matta (que conoce a Breton en 1937 por mediación de Dalí) y Lam; el movimiento se hizo internacional apareciendo grupos surrealistas en los Estados Unidos, Dinamarca, Londres, Checoslovaquia y Japón. Desde este momento, se abrirá una disputa, a menudo agria, entre aquellos surrealistas que conciben el surrealismo como un movimiento puramente artístico, rechazando la supeditación al comunismo, y los que acompañan a Breton en su giro a la izquierda.
En 1929 Breton publica el Segundo Manifiesto Surrealista, en el que condena entre otros intelectuales a los artistas Masson y Francis Picabia. En 1936 expulsa a Dalí por sus tendencias fascistas y a Paul Eluard. En 1938 Breton firma en México junto con León Trotski y Diego Rivera el Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente.
El surrealismo tomo cararcteristicas de otras corrientes, tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
Cadáver exquisito es una técnica por medio de la cual se ensamblan colectivamente un conjunto de palabras o imágenes; el resultado es conocido como un cadáver exquisito o cadavre exquis en francés. Es una técnica usada por los surrealistas en 1925, y se basa en un viejo juego de mesa llamado "consecuencias" en el cual los jugadores escribían por turno en una hoja de papel, la doblaban para cubrir parte de la escritura, y después la pasaban al siguiente jugador para otra colaboración.
El cadáver exquisito se juega entre un grupo de personas que escriben o dibujan una composición en secuencia. Cada persona sólo puede ver el final de lo que escribió el jugador anterior. En resumidas cuentas se combinan cosas de una idea agregando elementos que pueden o no pertenecer a la realidad. Los teóricos y asiduos al juego (en un principio, Robert Desnos, Paul Eluard, André Bretón y Tristan Tzara) sostenían que la creación, en especial la poética, debe ser anónima y grupal, intuitiva, espontánea, lúdica y en lo posible automática. De hecho, muchos de estos ejercicios se llevaron a cabo bajo la influencia de sustancias que inducían estados de semiinconsciencia o durante experiencias hipnóticas.
Neruda y Lorca los llamaron poemas al alimón; Nicanor Parra y Huidobro, quebrantahuesos. Nicolás Calas –vanguardista suizo- sostenía que un cadáver exquisito tiene la facultad de revelar la realidad inconsciente del grupo que lo ha creado, en concreto los aspectos no verbalizados de la angustia y el deseo de sus miembros, en relación con las dinámicas de posicionamiento afectivo dentro del mismo. Ernst observó que el juego funciona como un 'barómetro' de los contagios intelectuales dentro de un círculo de creadores.
Decía Rulfo que no existen más que tres temas básicos: el amor, la vida y la muerte: para captar su desarrollo normal, hay que saber cómo tratarlos, qué forma darles, sin repetir lo que han dicho otros. En tanto metabolismo continuado de anteriores lecturas, podría considerarse si la literatura no es en sí misma un gran cadáver exquisito a partir de temas y preocupaciones bastante simples.
La técnica del cadáver exquisito fue adaptada al dibujo y al collage quizás inspirados en ilustraciones infantiles en las que las páginas eran divididas en tres partes (el tercio superior mostraba la cabeza de una persona o animal, la parte media el torso y la inferior las piernas). Los niños tenían la habilidad de mezclar y emparejar figuras volteando las páginas. También se suele practicar mandando por correo un dibujo o collage a los jugadores —por etapas progresivas—; eso se conoce como “cadáver exquisito por correo” (aparentemente, sin importar si el juego realmente viaja por vía postal o no).
Algunos han jugado el juego de dibujo con un acuerdo más o menos vago en cuanto a cuál será el resultado de la ilustración, algo que podría considerarse que contradice la naturaleza surrealista del juego. El juego ha sido adaptado también para hacerse utilizando gráficas por computadora, para construir objetos surrealistas, y hasta se ha propuesto una adaptación a la arquitectura. Incluso se han hecho películas mediante esta técnica en la Universidad de Nueva York, por ejemplo. "Tótems sin tabúes", organizado por el Grupo Surrealista de Chicago en el Café Heartland (Chicago, Illinois), fue la primera exhibición de cadáveres exquisitos usando un teatro lleno de gente con máquinas de escribir. Está técnica es utilizada frecuentemente dentro del marco de la educación popular, donde si bien se utiliza el sistema básico del juego, la consigna lejos de ser librada al azar es puesta dentro del juego.
En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se re humanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños, la escritura automática ( La escritura automática es el proceso o resultado de la escritura que no proviene de los pensamientos conscientes de quien escribe. Es una forma de hacer que aflore el subconsciente. Consiste en situar el lápiz sobre el papel y empezar a escribir, dejando fluir los pensamientos sin ninguna coerción moral, social ni de ningún tipo. En ocasiones se realiza en estado de trance, aunque no es necesario que sea así. Su propósito es vencer la censura que se ejerce sobre el inconsciente, merced a unos actos creativos no programados y sin sentido inmediato para la consciencia, que escapan a la voluntad del autor. Entonces compone directamente el inconsciente, liberado de la censura. Desde el punto de vista literario, se trata de un método defendido y usado principalmente por André Bretón y los surrealistas, en la primera mitad del siglo XX, considerando que de esa forma el yo del poeta se manifiesta libre de cualquier represión y dejando crecer el poder creador del hombre fuera de cualquier influjo castrante) y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica (La retórica es la disciplina transversal a distintos campos de conocimiento ciencia de la literatura, ciencias políticas, publicidad, periodismo, etc. que se ocupa de estudiar y de sistematizar procedimientos y técnicas de utilización del lenguaje puestos al servicio de una finalidad persuasiva o estética del mismo, añadida a su finalidad comunicativa.) se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos.
En cuanto a la pintura se destaca Masson pues adoptó enseguida las técnicas del automatismo (El Automatismo no es un movimiento pictórico; es más bien un movimiento filosófico, partiendo del hecho de que se puede crear de y a partir de todo, la creatividad pura solo pertenece a la naturaleza y por tanto aprendemos a copiar a través de la observación atenta, la intuición y la atención suspicaz a nuestro inconsciente. Por tanto todos los medios de expresión son válidos. Se nutre estéticamente de todas las corrientes y estilos artísticos, así como del inconsciente colectivo universal arquetipos que versa sobre nuestro pasado, presente y futuro, unidos en una misma línea de tiempo cuya duración es de un instante infinito. Todo es racional. Lo irracional no existe.
El inconsciente predomina y domina.
La memorización tiene una importancia secundaria; se le da preponderancia al instinto
El conocimiento y la información es la base fundamental de la creación.
La observación es la piedra angular de el diseño.
La toma de decisiones debe ser inmediata sin propósitos concretos, asumiendo todos los riesgos necesarios.
No hay errores, solo oportunidades; el error mínimo se debe convertir en la pieza fundamental de una obra maestra. ), Hacia 1923-1924, poco después de conocer a Breton. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilo cubista (El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia real de las cosas. Además es un avance pues el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. Nació en el Salón de los Independientes.)
Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen). Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, el fumage y la distribución de arena sobre el lienzo encolado
Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas (Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.
René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Paul Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio de Chirico.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «...surrealista dentro del cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore.
El surrealismo se extendió por España, el surrealismo aparece en torno a los años veinte no en su vertiente puramente vanguardista sino mezclado con acentos simbolistas y de la pintura popular. Además de Joan Miró y Salvador Dalí, el surrealismo español lo componen Maruja Mallo, Gregorio Prieto, José Moreno Villa, Benjamín Palencia y José Caballero, además de los neocubistas que se pasan al surrealismo (Alberto Sánchez y Angel Ferrant), y algunas creaciones pictóricas juveniles de Modesto Ciruelos y su "Serie Circense" presentada en la Academia Breve de Crítica de Arte de Eugenio D´Ors en Madrid el año 1947. Hubo un importante núcleo surrealista en las Islas Canarias, agrupado en torno a la Gaceta de Arte de Eduardo Westerdahl, con pintores como Óscar Domínguez o el propio Westerdahl y un grupo de poetas que invitaron a André Bretón a venir en 1935; allí compuso este el poema Le chateau etoilé y otras obras. En Latinoamérica se consideran surrealistas, además de los ya citados Matta y Lom, a Remedios Varo y Leonora Carrington.
El surrealismo fue seguido con interés por los intelectuales españoles de los años 30. Existía el precedente de Ramón Gómez de la Serna, quien utilizaba algunas fórmulas vinculables al surrealismo, como la greguería. El primero en adoptar sus métodos fue José María Hinojosa, autor de La flor de Californía (1928), libro pionero de prosas narrativas y oníricas.
Varios poetas de la generación del 27 se interesaron por las posibilidades expresivas del surrealismo. Su huella es evidente en libros como en la sección tercera de Sobre los ángeles y en Sermones y moradas de Rafael Alberti; en Poeta en Nueva York de Federico García Lorca y Un río, un amor y Los placeres prohibidos de Luis Cernuda. Vicente Aleixandre se definió a sí mismo como "un poeta superrealista", aunque matizando que su poesía no era en modo alguno producto directo de la escritura automática. Miguel Hernández sufrió una efímera etapa surrealista y durante la posguerra la imprenta surrealista se percibe en los poetas del Postismo y en Juan Eduardo Cirlot, y en la actualidad existe un cierto postsurrealismo en la obra de algunos poetas como Blanca Andreu.
En las islas Canarias la afición por el surrealismo llevó a la formación en los años 30 de la Facción Surrealista de Tenerife, un grupo de entusiastas, al modo del creado en Francia alrededor de André Breton. Sus componentes (Agustín Espinosa, Domingo López Torres, Pedro García Cabrera, Óscar Domínguez, Eduardo Westerdahl y Domingo Pérez Minik) expusieron sus creaciones y puntos de vista en los treinta y ocho números de la revista Gaceta de Arte.
Aunque no se le pueda considerar un surrealista estricto, el poeta y pensador Juan Larrea vivió de primera mano la eclosión del movimiento en París y reflexionó más tarde sobre su valor y trascendencia en obras como Surrealismo entre viejo y nuevo mundo (1944). En la actualidad existe una corriente de neosurrealismo en la poesía de Blanca Andreu.
En Hispanoamérica el surrealismo contó con la adhesión entusiasta de poetas como el chileno Braulio Arenas y los peruanos César Moro, Xavier Abril, y Emilio Adolfo Westphalen, además de influir decisivamente en la obra de figuras mayores como Pablo Neruda, Gonzalo Rojas y César Vallejo. En Argentina, pese al desdén de Jorge Luis Borges, el surrealismo sedujo aún al joven Julio Cortázar y produjo un fruto tardío en la obra de Alejandra Pizarnik. Se ha señalado también su influencia en otros autores de producción más reciente, como el músico Alejandro de Michele. El poeta y pensador mexicano Octavio Paz ocupa un lugar particular en la historia del movimiento: amigo personal de Breton, dedicó al surrealismo varios ensayos esclarecedores.
En cuanto a la literatura el surrealismo tuvo como antecedente la patafísica( La patafísica es un movimiento cultural francés de la segunda mitad del siglo XX vinculado al surrealismo. El nombre proviene de la obra "Gestas y opiniones del doctor Faustroll, patafísico" de Alfred Jarry. A raíz de su lectura, algunos admiradores empezaron a practicar una ciencia paródica llamada patafísica, dedicada «al estudio de las soluciones imaginarias y las leyes que regulan las excepciones».) de Alfred Jarry, y el movimiento dadaísta fundado en Zurich en 1916 por T. Tzara, H. Ball y H. Arp. Animados por idéntico espíritu de provocación, André Breton, Louis Aragon y Ph. Soupault fundaron en París la revista Littérature (1919), mientras en EE.UU manifestaban actitudes similares Man Ray, Marcel Duchamp y Francis Picabia, y en Alemania, Max Ernst y Hugo Ball.
A esta fase sucedió una actitud más metódica de investigación del inconsciente, emprendida por Breton, junto a Aragon, Paul Éluard, Soupault, Robert Desnos, Max Ernst, etc. La primera obra de esta tendencia, que cabe calificar de primera obra literaria surrealista, fue Los campos magnéticos (1921), escrita conjuntamente por Breton y Soupault. Tras la ruptura con Tzara, se adhirieron al movimiento Antonin Artaud, André Masson y Pierre Naville.
Breton redactó la primera definición del movimiento en su Manifiesto del surrealismo (1924), texto que dio cohesión a los postulados y propósitos del movimiento. Entre los autores que citaba como precursores del movimiento figuran Freud, Lautréamont, Edward Young, Matthew Lewis, Gérard de Nerval, Jonathan Swift, Sade, Chateaubriand, Victor Hugo, Poe, Baudelaire, Rimbaud, Mallarmé y Jarry. En el mismo año se fundó el Bureau de recherches surréalistes y la revista La Révolution Surréaliste, que sustituyó a Littérature, de cuya dirección se hizo cargo el propio Breton en 1925 y que se convirtió en el órgano de expresión común del grupo.
La producción surrealista se caracterizó por una vocación libertaria sin límites y la exaltación de los procesos oníricos, del humor corrosivo y de la pasión erótica, concebidos como armas de lucha contra la tradición cultural burguesa. Las ideas del grupo se expresaron a través de técnicas literarias, como la «escritura automática», las provocaciones pictóricas y las ruidosas tomas de posición públicas. El acercamiento operado a fines de los años veinte con los comunistas produjo las primeras querellas y cismas en el movimiento.
En 1930 Breton publicó su Segundo manifiesto del surrealismo, en el que excomulgaba a Joseph Delteil, Antonin Artaud, Philippe Soupault, Robert Desnos, Georges Limbour, André Masson, Roger Vitrac, Georges Ribemont-Dessaignes y Francis Picabia. El mismo año apareció el nuevo órgano del movimiento, la revista Le Surréalisme au Service de la Révolution, que suplantó al anterior, La Révolution Surréaliste, y paralelamente, Aragon (tras su viaje a la URSS), Éluard, Péret y Breton ingresaron en el Partido Comunista. A fines de 1933, Breton, Éluard y Crevel fueron expulsados del partido. En los años treinta se sumaron al movimiento Salvador Dalí, Luis Buñuel, Yves Tanguy, René Char y Georges Sadoul.
Tras los años previos a la II Guerra Mundial, marcados por la militancia activa de Breton, y los años de exilio neoyorquino de la mayoría de sus miembros, durante la ocupación alemana de Francia, el movimiento siguió manteniendo cierta cohesión y vitalidad, pero a partir de 1946, cuando Breton regresó a París, el surrealismo era ya parte de la historia.
El surrealismo logro entra en el terreno de las artes plásticas luego de tener una trayectoria por la literatura que fue la base de las artes plásticas surrealistas, surge un concepto fundamental, el automatismo, basado en una suerte de dictado mágico, procedente del inconsciente, gracias al cual surgían poemas, ensayos, etc., y que más tarde sería recogido por pintores y escultores.
La primera exposición surrealista se celebró en la Galerie Pierre de París en 1925, y en ella, además de Jean Arp, Giorgio de Chirico y Max Ernst, participaron artistas como André Masson, Picasso, Man Ray, Pierre Roy, P. Klee y Joan Miró, que posteriormente se separarían del movimiento o se mantendrían unidos a él adoptando únicamente algunos de sus principios. A ellos se adhirieron Yves Tanguy, René Magritte, Salvador Dalí y Alberto Giacometti.[2]
La rebelión del surrealismo contra la tradición cultural burguesa y el orden moral establecido tuvo su cariz político, y un sector del surrealismo, que no consideraba suficientes los tumultos de sus manifestaciones culturales, se afilió al Partido Comunista Francés. Sin embargo, nacieron violentas discrepancias en el seno del grupo a propósito del debate sobre la relación entre arte y política; se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento tendió a disgregarse. Es significativo, a este respecto, que la revista «La révolution surréaliste» pase a llamarse, desde 1930, «Le surréalisme au service de la révolution». En los años 1930, el movimiento se extendión más allá de las fronteras francesas. Se celebró en 1938 en París la Exposición Surrealista Internacional.
La segunda guerra mundial paralizó toda actividad en Europa. Ello motivó que Bretón, como muchos otros artistas, marchase a los EE. UU.. Allí surgió una asociación de pintores surrealistas alemanes y franceses que se reunió en torno a la revista VVV. Estos surrealistas emigrados a EE.UU. influyeron en el arte estadounidense, en particular en el desarrollo del expresionismo abstracto( El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.), en los años 1940. Cuando Bretón regresó a Europa en 1946 el movimiento estaba ya definitivamente deteriorado.
Entre los artistas plásticos se manifiesta una dualidad en la interpretación del surrealismo: los surrealistas abstractos( El Surrealismo abstracto es una tendencia pictórica dentro del surrealismo, caracterizada por aplicar el «automatismo» puro, de manera que se pierde toda representación figurativa y, en lugar de ello, los artistas inventan universos figurativos propios.
Se considera que esta tendencia nace en torno a 1920. Se expande por toda Europa, encontrado surrealistas abstractos en España (Joan Miró, a partir de 1924), Francia (André Masson y Max Ernst en parte de su producción), Holanda, Estados Unidos o Alemania. También está adscrito a esta tendencia el chileno Roberto Matta. Muchos de estos artistas tuvieron que refugiarse en los Estados Unidos por culpa del nazismo y la Segunda Guerra Mundial, lo que influyó en el surgimiento del expresionismo abstracto en Nueva York en la década de los cuarenta.), que se decantan por la aplicación del automatismo puro, como André Masson o Joan Miró, e inventan universos figurativos propios; y los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica, entre ellos René Magritte, Paúl Delvaux, o Salvador Dalí, que se sirven de un realismo minucioso y de medios técnicos tradicionales, pero que se apartan de la pintura tradicional por la inusitada asociación de objetos y las monstruosas deformaciones, así como por la atmósfera onírica y delirante que se desprende de sus obras. Max Ernst es uno de los pocos surrealistas que se mueve entre las dos vías. La obra de Ernst ha influido particularmente en un epígono tardío del surrealismo en Alemania que es Stefan von Reiswitz. Otro autor interesante que se aproxima en ocasiones tangencialmente al surrealismo es Pablo Alonso Herraiz.
PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL SURREALISMO
Ernst (1891-1979)
Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación. Ciudades, Europa después de la lluvia.
Tanguy (1900-1985)
Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Unos transportes; Días de lentitud; Mamá, papá está herido.
Magritte (1898-1976)
Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas. Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar.
Masson (1896-1987)
Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le importa. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.
Chagall (1887-1985)
Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.
Joan Miró (1893-1983)
"Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable". Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción. Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924). Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional. Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna. Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París, Noche y día.
Salvador Dalí (1904-1989)
Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.
Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil. También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués. Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.
Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia. El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.
POR: Francisco Andrade
Grado: 11.c
Es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en el primer cuarto del siglo XX en torno a la personalidad del poeta André Bretón. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico. La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista) El autor se inspiró en el mito del adivino tebano Tiresias para invertirlo y realizar una actualización de tintes provocadores, feministas y antimilitaristas. Cuenta la historia de Teresa, que cambia de sexo para obtener el poder entre los hombres. Su objetivo es alterar las costumbres, rechazar el pasado y establecer la igualdad de sexos.
El estreno de la obra, abundante en travestismos, juegos de palabras y salidas de tono, constituyó un escándalo además por sus alusiones pacifistas en plena Primera Guerra Mundial en la que, sin embargo, Apollinaire había luchado y sido herido
André Bretón, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vache y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo. En El surrealismo y la pintura, de 1928, Bretón expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método el automatismo, recogiendo en buena medida el testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas, aunque cambiando radicalmente su interpretación: lo que habla a través del médium no son los espíritus, sino el inconsciente.
El surrealismo fue una corriente que tuvo gran influencia en la evolución de la humanidad para ser mas especifico a partir de 1925, a raíz del estallido de la guerra de Marruecos, el surrealismo se politiza; se producen entonces los primeros contactos con los comunistas, que culminarían ese mismo año con la adhesión al Partido Comunista por parte de Bretón.
Entre 1925 y 1930 aparece un nuevo periódico titulado El Surrealismo al servicio de la Revolución en cuyo primer número Louis Aragón, Buñuel, Dalí, Paúl Éluard, Max Ernst, Yves Tanguy y Tristan Tzara, entre otros, se declaran partidarios de Breton. Por su parte Jean Arp y Miró, aunque no compartían la decisión política tomada por Breton, continuaban participando con interés en las exposiciones surrealistas. Poco después se incorporaron Magritte (1930), Masson (1931), Giacometti y Brauner en 1933 y también Matta (que conoce a Breton en 1937 por mediación de Dalí) y Lam; el movimiento se hizo internacional apareciendo grupos surrealistas en los Estados Unidos, Dinamarca, Londres, Checoslovaquia y Japón. Desde este momento, se abrirá una disputa, a menudo agria, entre aquellos surrealistas que conciben el surrealismo como un movimiento puramente artístico, rechazando la supeditación al comunismo, y los que acompañan a Breton en su giro a la izquierda.
En 1929 Breton publica el Segundo Manifiesto Surrealista, en el que condena entre otros intelectuales a los artistas Masson y Francis Picabia. En 1936 expulsa a Dalí por sus tendencias fascistas y a Paul Eluard. En 1938 Breton firma en México junto con León Trotski y Diego Rivera el Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente.
El surrealismo tomo cararcteristicas de otras corrientes, tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
Cadáver exquisito es una técnica por medio de la cual se ensamblan colectivamente un conjunto de palabras o imágenes; el resultado es conocido como un cadáver exquisito o cadavre exquis en francés. Es una técnica usada por los surrealistas en 1925, y se basa en un viejo juego de mesa llamado "consecuencias" en el cual los jugadores escribían por turno en una hoja de papel, la doblaban para cubrir parte de la escritura, y después la pasaban al siguiente jugador para otra colaboración.
El cadáver exquisito se juega entre un grupo de personas que escriben o dibujan una composición en secuencia. Cada persona sólo puede ver el final de lo que escribió el jugador anterior. En resumidas cuentas se combinan cosas de una idea agregando elementos que pueden o no pertenecer a la realidad. Los teóricos y asiduos al juego (en un principio, Robert Desnos, Paul Eluard, André Bretón y Tristan Tzara) sostenían que la creación, en especial la poética, debe ser anónima y grupal, intuitiva, espontánea, lúdica y en lo posible automática. De hecho, muchos de estos ejercicios se llevaron a cabo bajo la influencia de sustancias que inducían estados de semiinconsciencia o durante experiencias hipnóticas.
Neruda y Lorca los llamaron poemas al alimón; Nicanor Parra y Huidobro, quebrantahuesos. Nicolás Calas –vanguardista suizo- sostenía que un cadáver exquisito tiene la facultad de revelar la realidad inconsciente del grupo que lo ha creado, en concreto los aspectos no verbalizados de la angustia y el deseo de sus miembros, en relación con las dinámicas de posicionamiento afectivo dentro del mismo. Ernst observó que el juego funciona como un 'barómetro' de los contagios intelectuales dentro de un círculo de creadores.
Decía Rulfo que no existen más que tres temas básicos: el amor, la vida y la muerte: para captar su desarrollo normal, hay que saber cómo tratarlos, qué forma darles, sin repetir lo que han dicho otros. En tanto metabolismo continuado de anteriores lecturas, podría considerarse si la literatura no es en sí misma un gran cadáver exquisito a partir de temas y preocupaciones bastante simples.
La técnica del cadáver exquisito fue adaptada al dibujo y al collage quizás inspirados en ilustraciones infantiles en las que las páginas eran divididas en tres partes (el tercio superior mostraba la cabeza de una persona o animal, la parte media el torso y la inferior las piernas). Los niños tenían la habilidad de mezclar y emparejar figuras volteando las páginas. También se suele practicar mandando por correo un dibujo o collage a los jugadores —por etapas progresivas—; eso se conoce como “cadáver exquisito por correo” (aparentemente, sin importar si el juego realmente viaja por vía postal o no).
Algunos han jugado el juego de dibujo con un acuerdo más o menos vago en cuanto a cuál será el resultado de la ilustración, algo que podría considerarse que contradice la naturaleza surrealista del juego. El juego ha sido adaptado también para hacerse utilizando gráficas por computadora, para construir objetos surrealistas, y hasta se ha propuesto una adaptación a la arquitectura. Incluso se han hecho películas mediante esta técnica en la Universidad de Nueva York, por ejemplo. "Tótems sin tabúes", organizado por el Grupo Surrealista de Chicago en el Café Heartland (Chicago, Illinois), fue la primera exhibición de cadáveres exquisitos usando un teatro lleno de gente con máquinas de escribir. Está técnica es utilizada frecuentemente dentro del marco de la educación popular, donde si bien se utiliza el sistema básico del juego, la consigna lejos de ser librada al azar es puesta dentro del juego.
En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se re humanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños, la escritura automática ( La escritura automática es el proceso o resultado de la escritura que no proviene de los pensamientos conscientes de quien escribe. Es una forma de hacer que aflore el subconsciente. Consiste en situar el lápiz sobre el papel y empezar a escribir, dejando fluir los pensamientos sin ninguna coerción moral, social ni de ningún tipo. En ocasiones se realiza en estado de trance, aunque no es necesario que sea así. Su propósito es vencer la censura que se ejerce sobre el inconsciente, merced a unos actos creativos no programados y sin sentido inmediato para la consciencia, que escapan a la voluntad del autor. Entonces compone directamente el inconsciente, liberado de la censura. Desde el punto de vista literario, se trata de un método defendido y usado principalmente por André Bretón y los surrealistas, en la primera mitad del siglo XX, considerando que de esa forma el yo del poeta se manifiesta libre de cualquier represión y dejando crecer el poder creador del hombre fuera de cualquier influjo castrante) y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica (La retórica es la disciplina transversal a distintos campos de conocimiento ciencia de la literatura, ciencias políticas, publicidad, periodismo, etc. que se ocupa de estudiar y de sistematizar procedimientos y técnicas de utilización del lenguaje puestos al servicio de una finalidad persuasiva o estética del mismo, añadida a su finalidad comunicativa.) se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos.
En cuanto a la pintura se destaca Masson pues adoptó enseguida las técnicas del automatismo (El Automatismo no es un movimiento pictórico; es más bien un movimiento filosófico, partiendo del hecho de que se puede crear de y a partir de todo, la creatividad pura solo pertenece a la naturaleza y por tanto aprendemos a copiar a través de la observación atenta, la intuición y la atención suspicaz a nuestro inconsciente. Por tanto todos los medios de expresión son válidos. Se nutre estéticamente de todas las corrientes y estilos artísticos, así como del inconsciente colectivo universal arquetipos que versa sobre nuestro pasado, presente y futuro, unidos en una misma línea de tiempo cuya duración es de un instante infinito. Todo es racional. Lo irracional no existe.
El inconsciente predomina y domina.
La memorización tiene una importancia secundaria; se le da preponderancia al instinto
El conocimiento y la información es la base fundamental de la creación.
La observación es la piedra angular de el diseño.
La toma de decisiones debe ser inmediata sin propósitos concretos, asumiendo todos los riesgos necesarios.
No hay errores, solo oportunidades; el error mínimo se debe convertir en la pieza fundamental de una obra maestra. ), Hacia 1923-1924, poco después de conocer a Breton. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilo cubista (El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia real de las cosas. Además es un avance pues el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. Nació en el Salón de los Independientes.)
Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen). Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, el fumage y la distribución de arena sobre el lienzo encolado
Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas (Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.
René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Paul Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio de Chirico.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «...surrealista dentro del cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore.
El surrealismo se extendió por España, el surrealismo aparece en torno a los años veinte no en su vertiente puramente vanguardista sino mezclado con acentos simbolistas y de la pintura popular. Además de Joan Miró y Salvador Dalí, el surrealismo español lo componen Maruja Mallo, Gregorio Prieto, José Moreno Villa, Benjamín Palencia y José Caballero, además de los neocubistas que se pasan al surrealismo (Alberto Sánchez y Angel Ferrant), y algunas creaciones pictóricas juveniles de Modesto Ciruelos y su "Serie Circense" presentada en la Academia Breve de Crítica de Arte de Eugenio D´Ors en Madrid el año 1947. Hubo un importante núcleo surrealista en las Islas Canarias, agrupado en torno a la Gaceta de Arte de Eduardo Westerdahl, con pintores como Óscar Domínguez o el propio Westerdahl y un grupo de poetas que invitaron a André Bretón a venir en 1935; allí compuso este el poema Le chateau etoilé y otras obras. En Latinoamérica se consideran surrealistas, además de los ya citados Matta y Lom, a Remedios Varo y Leonora Carrington.
El surrealismo fue seguido con interés por los intelectuales españoles de los años 30. Existía el precedente de Ramón Gómez de la Serna, quien utilizaba algunas fórmulas vinculables al surrealismo, como la greguería. El primero en adoptar sus métodos fue José María Hinojosa, autor de La flor de Californía (1928), libro pionero de prosas narrativas y oníricas.
Varios poetas de la generación del 27 se interesaron por las posibilidades expresivas del surrealismo. Su huella es evidente en libros como en la sección tercera de Sobre los ángeles y en Sermones y moradas de Rafael Alberti; en Poeta en Nueva York de Federico García Lorca y Un río, un amor y Los placeres prohibidos de Luis Cernuda. Vicente Aleixandre se definió a sí mismo como "un poeta superrealista", aunque matizando que su poesía no era en modo alguno producto directo de la escritura automática. Miguel Hernández sufrió una efímera etapa surrealista y durante la posguerra la imprenta surrealista se percibe en los poetas del Postismo y en Juan Eduardo Cirlot, y en la actualidad existe un cierto postsurrealismo en la obra de algunos poetas como Blanca Andreu.
En las islas Canarias la afición por el surrealismo llevó a la formación en los años 30 de la Facción Surrealista de Tenerife, un grupo de entusiastas, al modo del creado en Francia alrededor de André Breton. Sus componentes (Agustín Espinosa, Domingo López Torres, Pedro García Cabrera, Óscar Domínguez, Eduardo Westerdahl y Domingo Pérez Minik) expusieron sus creaciones y puntos de vista en los treinta y ocho números de la revista Gaceta de Arte.
Aunque no se le pueda considerar un surrealista estricto, el poeta y pensador Juan Larrea vivió de primera mano la eclosión del movimiento en París y reflexionó más tarde sobre su valor y trascendencia en obras como Surrealismo entre viejo y nuevo mundo (1944). En la actualidad existe una corriente de neosurrealismo en la poesía de Blanca Andreu.
En Hispanoamérica el surrealismo contó con la adhesión entusiasta de poetas como el chileno Braulio Arenas y los peruanos César Moro, Xavier Abril, y Emilio Adolfo Westphalen, además de influir decisivamente en la obra de figuras mayores como Pablo Neruda, Gonzalo Rojas y César Vallejo. En Argentina, pese al desdén de Jorge Luis Borges, el surrealismo sedujo aún al joven Julio Cortázar y produjo un fruto tardío en la obra de Alejandra Pizarnik. Se ha señalado también su influencia en otros autores de producción más reciente, como el músico Alejandro de Michele. El poeta y pensador mexicano Octavio Paz ocupa un lugar particular en la historia del movimiento: amigo personal de Breton, dedicó al surrealismo varios ensayos esclarecedores.
En cuanto a la literatura el surrealismo tuvo como antecedente la patafísica( La patafísica es un movimiento cultural francés de la segunda mitad del siglo XX vinculado al surrealismo. El nombre proviene de la obra "Gestas y opiniones del doctor Faustroll, patafísico" de Alfred Jarry. A raíz de su lectura, algunos admiradores empezaron a practicar una ciencia paródica llamada patafísica, dedicada «al estudio de las soluciones imaginarias y las leyes que regulan las excepciones».) de Alfred Jarry, y el movimiento dadaísta fundado en Zurich en 1916 por T. Tzara, H. Ball y H. Arp. Animados por idéntico espíritu de provocación, André Breton, Louis Aragon y Ph. Soupault fundaron en París la revista Littérature (1919), mientras en EE.UU manifestaban actitudes similares Man Ray, Marcel Duchamp y Francis Picabia, y en Alemania, Max Ernst y Hugo Ball.
A esta fase sucedió una actitud más metódica de investigación del inconsciente, emprendida por Breton, junto a Aragon, Paul Éluard, Soupault, Robert Desnos, Max Ernst, etc. La primera obra de esta tendencia, que cabe calificar de primera obra literaria surrealista, fue Los campos magnéticos (1921), escrita conjuntamente por Breton y Soupault. Tras la ruptura con Tzara, se adhirieron al movimiento Antonin Artaud, André Masson y Pierre Naville.
Breton redactó la primera definición del movimiento en su Manifiesto del surrealismo (1924), texto que dio cohesión a los postulados y propósitos del movimiento. Entre los autores que citaba como precursores del movimiento figuran Freud, Lautréamont, Edward Young, Matthew Lewis, Gérard de Nerval, Jonathan Swift, Sade, Chateaubriand, Victor Hugo, Poe, Baudelaire, Rimbaud, Mallarmé y Jarry. En el mismo año se fundó el Bureau de recherches surréalistes y la revista La Révolution Surréaliste, que sustituyó a Littérature, de cuya dirección se hizo cargo el propio Breton en 1925 y que se convirtió en el órgano de expresión común del grupo.
La producción surrealista se caracterizó por una vocación libertaria sin límites y la exaltación de los procesos oníricos, del humor corrosivo y de la pasión erótica, concebidos como armas de lucha contra la tradición cultural burguesa. Las ideas del grupo se expresaron a través de técnicas literarias, como la «escritura automática», las provocaciones pictóricas y las ruidosas tomas de posición públicas. El acercamiento operado a fines de los años veinte con los comunistas produjo las primeras querellas y cismas en el movimiento.
En 1930 Breton publicó su Segundo manifiesto del surrealismo, en el que excomulgaba a Joseph Delteil, Antonin Artaud, Philippe Soupault, Robert Desnos, Georges Limbour, André Masson, Roger Vitrac, Georges Ribemont-Dessaignes y Francis Picabia. El mismo año apareció el nuevo órgano del movimiento, la revista Le Surréalisme au Service de la Révolution, que suplantó al anterior, La Révolution Surréaliste, y paralelamente, Aragon (tras su viaje a la URSS), Éluard, Péret y Breton ingresaron en el Partido Comunista. A fines de 1933, Breton, Éluard y Crevel fueron expulsados del partido. En los años treinta se sumaron al movimiento Salvador Dalí, Luis Buñuel, Yves Tanguy, René Char y Georges Sadoul.
Tras los años previos a la II Guerra Mundial, marcados por la militancia activa de Breton, y los años de exilio neoyorquino de la mayoría de sus miembros, durante la ocupación alemana de Francia, el movimiento siguió manteniendo cierta cohesión y vitalidad, pero a partir de 1946, cuando Breton regresó a París, el surrealismo era ya parte de la historia.
El surrealismo logro entra en el terreno de las artes plásticas luego de tener una trayectoria por la literatura que fue la base de las artes plásticas surrealistas, surge un concepto fundamental, el automatismo, basado en una suerte de dictado mágico, procedente del inconsciente, gracias al cual surgían poemas, ensayos, etc., y que más tarde sería recogido por pintores y escultores.
La primera exposición surrealista se celebró en la Galerie Pierre de París en 1925, y en ella, además de Jean Arp, Giorgio de Chirico y Max Ernst, participaron artistas como André Masson, Picasso, Man Ray, Pierre Roy, P. Klee y Joan Miró, que posteriormente se separarían del movimiento o se mantendrían unidos a él adoptando únicamente algunos de sus principios. A ellos se adhirieron Yves Tanguy, René Magritte, Salvador Dalí y Alberto Giacometti.[2]
La rebelión del surrealismo contra la tradición cultural burguesa y el orden moral establecido tuvo su cariz político, y un sector del surrealismo, que no consideraba suficientes los tumultos de sus manifestaciones culturales, se afilió al Partido Comunista Francés. Sin embargo, nacieron violentas discrepancias en el seno del grupo a propósito del debate sobre la relación entre arte y política; se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento tendió a disgregarse. Es significativo, a este respecto, que la revista «La révolution surréaliste» pase a llamarse, desde 1930, «Le surréalisme au service de la révolution». En los años 1930, el movimiento se extendión más allá de las fronteras francesas. Se celebró en 1938 en París la Exposición Surrealista Internacional.
La segunda guerra mundial paralizó toda actividad en Europa. Ello motivó que Bretón, como muchos otros artistas, marchase a los EE. UU.. Allí surgió una asociación de pintores surrealistas alemanes y franceses que se reunió en torno a la revista VVV. Estos surrealistas emigrados a EE.UU. influyeron en el arte estadounidense, en particular en el desarrollo del expresionismo abstracto( El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.), en los años 1940. Cuando Bretón regresó a Europa en 1946 el movimiento estaba ya definitivamente deteriorado.
Entre los artistas plásticos se manifiesta una dualidad en la interpretación del surrealismo: los surrealistas abstractos( El Surrealismo abstracto es una tendencia pictórica dentro del surrealismo, caracterizada por aplicar el «automatismo» puro, de manera que se pierde toda representación figurativa y, en lugar de ello, los artistas inventan universos figurativos propios.
Se considera que esta tendencia nace en torno a 1920. Se expande por toda Europa, encontrado surrealistas abstractos en España (Joan Miró, a partir de 1924), Francia (André Masson y Max Ernst en parte de su producción), Holanda, Estados Unidos o Alemania. También está adscrito a esta tendencia el chileno Roberto Matta. Muchos de estos artistas tuvieron que refugiarse en los Estados Unidos por culpa del nazismo y la Segunda Guerra Mundial, lo que influyó en el surgimiento del expresionismo abstracto en Nueva York en la década de los cuarenta.), que se decantan por la aplicación del automatismo puro, como André Masson o Joan Miró, e inventan universos figurativos propios; y los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica, entre ellos René Magritte, Paúl Delvaux, o Salvador Dalí, que se sirven de un realismo minucioso y de medios técnicos tradicionales, pero que se apartan de la pintura tradicional por la inusitada asociación de objetos y las monstruosas deformaciones, así como por la atmósfera onírica y delirante que se desprende de sus obras. Max Ernst es uno de los pocos surrealistas que se mueve entre las dos vías. La obra de Ernst ha influido particularmente en un epígono tardío del surrealismo en Alemania que es Stefan von Reiswitz. Otro autor interesante que se aproxima en ocasiones tangencialmente al surrealismo es Pablo Alonso Herraiz.
PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL SURREALISMO
Ernst (1891-1979)
Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación. Ciudades, Europa después de la lluvia.
Tanguy (1900-1985)
Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Unos transportes; Días de lentitud; Mamá, papá está herido.
Magritte (1898-1976)
Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas. Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar.
Masson (1896-1987)
Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le importa. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.
Chagall (1887-1985)
Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.
Joan Miró (1893-1983)
"Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable". Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción. Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924). Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional. Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna. Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París, Noche y día.
Salvador Dalí (1904-1989)
Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.
Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil. También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués. Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.
Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia. El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.
POR: Francisco Andrade
Grado: 11.c
एल cunismo
LA FRAGMENTACION DEL ESPACIO CLASICO (1)
La perspectiva renacentista suponía el único procedimiento valido desde el siglo XV para representar las tres dimensiones del espacio. El cubismo rompe con esta tradición convirtiendo su pintura en una reconstrucción racional y no visual de la realidad. Movimiento pictórico por esencia, también aplica sus principios a la escultura, a la que libera tanto de sus temas como de sus materiales. El cubismo, gracias a su carácter experimental, no es un sistema cerrado, sino que constituye para muchos artistas una iniciación a la modernidad.
El termino cubismo, surgido de una serie de criticas adversas que recibieron los cuadros de Braque en 1908, aparece íntimamente unido a la obra de Cezanne, cuyas investigaciones habían conducido a una nueva organización del cuadro, donde el tratamiento geométrico responde al consejo dado por el artista a Emil Bernand: “hay que tratar la naturaleza en términos de esfera, cilindro y de cono”. Esa geometrizacion que se encuentra en las obras del cubismo analítico caracteriza también a muchas formas artísticas primitivas; de esta manera se produce el descubrimiento por parte de los cubistas del arte africano e ibérico, gracias por un lado a la expansión colonial, y por otro lado a la apertura de museos etnográficos. Este conocimiento de las artes tradicionales llevo a la creación de un nuevo vocabulario formal que ayudo a la liberación de los nuevos artistas de las formas plásticas existentes.
EL CUBISMO ANALITICO
Se dice generalmente que el cubismo nació con la obra de Picasso Las señoritas de Avignon (1906-1907), donde el problema primordial que preocupaba al artista era la representación de los volúmenes modelados mediante cambios de colores puros y violentos, así como un nuevo planteamiento de los fundamentos de la perspectiva. Esta experiencia, junto con los paisajes realizados por Picasso en la región de Oise y Horta del Ebro, pertenece a la primera fase del cubismo (también llamado cubismo cezasiano) época en la que el pintor Georges Braque (1852-1963), interesado por las experiencias de Picasso, pinto sus paisajes de L’Estaque
A partir de 1910 el cubismo evoluciono hacia una descomposición del objeto más rigurosa y profunda, entrando a la denominada fase analítica. Intenta expresar la visión del objeto “tal y como sabe que existe y no ya tal como se ve”. El cubismo decidió renunciar desde entonces a la perspectiva renacentista, multiplicando los puntos de vista , los ángulos de visión, lo que crea una mas razonable y completa representación y también mas objetiva. En esta fase, el dolor se redujo a gamas de ocres y grises.
El cubismo atrajo con gran rapidez multitud de admiradores y seguidores tanto entre pintores como entre escultores. La exposición de la sección de oro, realizada en el año 1912, acogió la obra de mas de 30 artistas, entre los que cabe destacar a Juan Gris (1887-1927), Albert Gleizes (1881-1953), Jean Metzinger (18853-1956) Roger de Fresnaye (1885-1925), Louis Marcousis (1878- 1941), Jaques Villon (1875-1963), Marcel Duchamp (1876-1918) y Raymond Duchamp-Villon (1876-1918).
En sus obras se persigue el común interés de descomponer los volúmenes, siendo para la mayoría el único punto de partida de una búsqueda personal: el orfismo para R. Delaunay, o la descomposición de la luz para Jacques Villon. En esta época aparecieron también las primeras obras escritas que intentaron sentar las bases teóricas del cubismo. Del cubismo por Gleizes y Metzinger (1912) o Pintores Cubistas, meditaciones estéticas por Guillarme Apolliniare (1913), que fue considerado como el autentico manifiesto del movimiento.
EL CUBISMO SINTETICO
En el transcurso de los años 1912-1913 Picasso, Braque y Juan Gris dieron un paso más e inauguraron una nueva fase del cubismo: El cubismo sintético.
Después del estudio de ciertas mascaras pertenecientes a su propia colección Picasso renuncio a la imitación del objeto con el propósito de crear una realidad plástica y objetiva por medio de signos totalmente inventados. Las obras de esta época se caracterizan por formas antinaturalitas unidas entre si de tal manera que el espectador pueda reconstruir la realidad evocada. Así, en la guitarra, realizada en 1912, se observa que Picasso ha evocado el rosetón no por un agujero redondo (de forma cóncava) sino por el cilindro de chapa salediza ( de forma convexa) e inmediatamente identificable por el espectador. Esta manera de representar una parte de un objeto por la forma exactamente inversa de la realidad, esta inversión de los llenos y los vacíos, va a ser uno de los rasgos distintivos de la cultura cubista.
Los collages
En el año 1912, Picasso realizo su primer collage, Naturaleza muerta con silla de rejilla, al introducir en una pintura un trozo de hule que imitaba el respaldo de una silla de rejilla.
Tiempo después, Braque decidió explorar la técnica del papel pegado y para ello integro en sus dibujos y pinturas trozos de papel pintado, que imitaban materiales como la madera de mármol, etc., preocupado dar al objeto su tono natural. El mismo año, tanto Braque como Picasso transpusieron los papeles pegados en tres dimensiones a construcciones o esculturas de ensamblaje, combinando materiales no tradicionales como papel, cartón, alambre, bramante, chapa, etc. Las construcciones, objeto de estudio para ambos artistas, se convirtieron rápidamente en nuevos medios íntegros de expresión para Henri Laurens
(1) ENCICLOPEDIA, La Enciclo, tomo 1
Picasso, Las señoritas de avignon (1906-1907).
De izquierda a derecha, la influencia Ibérica deja
paso a la del arte africano (museo de arte moder-
no, New York)
LA EXPERIENCIA CUBISTA EXPANDE LA EXPERIENCIA DE LA
“VISION DE LA VISION”, INTEGRANDO ELEMENTOS CIENTIFICOS
CON BASE EN LA FISICA. LOGRAMOS ACCEDER A UNA EMANCI-
PACION DEL ESPACIO TRIDIMENSIONAL, ESCINDIDO DE LA FINI-
TUD DE LA PERSPECTIVA. EL ESPACIO ESTALLA, DANDONOS UN
NUEVO ESPACIO DE FUERZAS DIMANICAS, DE VOLUMENES Y
COLORES
El cubismo gris
ARTE DEL SIGLO XX
CARACTERÍSTICAS
El cubismo se caracteriza, además de por plasmar de manera simultánea un mismo objeto desde diferentes ángulos, por el empleo de figuras geométricas como triángulos, cuadrados, rectángulos y cubos. Es de esta última figura de donde proviene el nombre del movimiento, debido a que en 1908 el crítico Luís Vauxcelles opinó que los cuadros de Braque estaban compuestos de cubos.
En cierto sentido el cubismo es el movimiento más significativo y trascendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza. Su visión es tan radicalmente distinta que conmocionó a todo el mundo del arte. A partir del cubismo, los conceptos de arte y belleza cambian por completo, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma.
Normalmente se considera que la fecha de inicio de este movimiento fue en 1907 con el cuadro de Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso. Picasso fue, junto a Georges Braque, el artífice de esta corriente que tuvo como centro principal París.
Sus planteamientos son totalmente inéditos en el arte. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador no se puede quedar contemplando sin más la obra, sino que debe reconstruirla en su mente para poder comprenderla. La pintura es algo mental, el espectador interpreta la realidad según las pautas que da la obra y se convierte en artista, en creador. La nueva estética se desliga completamente de la interpretación o la semejanza con la naturaleza, lo que significa que la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. Esta desvinculación de la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, y pintadas de forma geométrica. Esta descomposición no es casual, sino que está muy estudiada y calculada, para permitir la recomposición mental de la figura.
El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales cubistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.
El cubismo se pregunta, también, por los problemas del volumen y del espacio. Su ruptura con la tradición renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictórico para sus formas. Una de las características del cubismo es su representación en blanco y negro, consecuencia de su desvinculación con la naturaleza e influido por la fotografía, para facilitar la lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por la representación del movimiento y por lo tanto del tiempo: de la cuarta dimensión. El tiempo cobra un nuevo significado tras la teoría de la relatividad de Einstein. El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura. El color ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro. La cuarta dimensión está en la mente humana, vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, y eso es lo que pretende captar el cuadro cubista.
Los temas principales de los cuadros cubistas suelen ser los retratos y las naturalezas muertas. A pesar del aspecto de algunos cuadros, la forma siempre fue respetada, sin llegar en ningún momento al arte abstracto. Los colores utilizados suelen ser apagados, y la luz es más bien escasa.
Artistas innovadores, Picasso y Braque buscaron nuevas maneras de expresar el espacio y la forma en sus pinturas. Tuvieron influencias de Paúl Cézanne, Georges Seurat, la escultura ibérica, el arte tribal africano (aunque Braque luego lo negase) y del fauvismo.
Los historiadores del arte dividen este movimiento artístico en dos etapas: una primera etapa, hasta 1911, denominado Cubismo analítico o inicial y una segunda etapa que comienza tras el descubrimiento del collage y se denomina Cubismo sintético.
ESCUELAS Y PINTORES CUBISTAS
Tras la época clásica del cubismo aparecen tres escuelas: la Sección Áurea (o Sección de Oro), que pretenderá llevar las matemáticas a la pintura de manera consciente, tanto en los ritmos como en las proporciones de la descomposición cubista; el orfismo es el cubismo colorista, un tanto evocador de sueños extraños, está muy cerca de la abstracción pura; y por último está el purismo de la Bauhaus que reaccionó contra los excesos del cubismo y vuelven a las formas simples y analíticas.
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura central del cubismo, y uno de los grandes genios del arte universal. Su obra artística es muy extensa pero su nombre estará siempre ligado al cubismo como su creador y su máximo representante. En 1907 pinta Las señoritas de Aviñón, cuadro que marca el comienzo del cubismo. Otros cuadros cubistas son Mujer sentada en un sillón, Mujer del abanico, La fábrica de Horta del Ebro, Cabeza de mujer, La muchacha de la mandolina, El aficionado, Retrato de Wilhelm Uhde, Retrato de D. H. Kahnweiler, Hombre con sombrero, Cabeza de muchacha, Naturaleza muerta con una silla de rejilla, Guitarra, Naturaleza muerta, estas tres últimas con colage, Las meninas y El Guernica.
Georges Braque (1882-1963) es el otro gran creador del cubismo, más intelectual que Picasso. Se mantiene siempre fiel a la estética cubista. Son características sus naturalezas muertas: Naturaleza muerta en mesa de árbol, Casas en el estanque, La Roche-Guyón, El portugués, Ceret: los tejados, El hombre del violín, Violín y jarra, La mesa del músico.
Juan Gris (1887-1927) es el tercer gran cubista. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Su cubismo es, fundamentalmente, sintético y coloreado. Comienza a poner a sus obras títulos intranscendentes. Composición, El fumador, Las tazas de té, La celosía, Vaso y paquete de tabaco, El lavabo.
Como representantes de la Sección Áurea tenemos a Marcel Duchamp: Retrato de jugadores de ajedrez, Fernand Léger, que se caracteriza por dar volumen a los planos: Jóvenes en un interior, Desnudos en el bosque, Desnudos sobre fondo rojo, El hombre en la ciudad, Kasimir Malevich: El leñador, y Piet Mondrian: Manzano en flor.
Entre los más destacados del orfismo están Robert Delaunay es su representante más destacado: La ciudad nº2, Ventanas sobre la ciudad nº4, una ventana, Campo de Marte: la torre Eiffel roja, Francis Picabia: Procesión en Sevilla, y Frantisek Kupka: Nocturno.
Dentro del purismo está Amédée Ozenfant que es el representante más destacado: Naturaleza muerta, Vida, y Le Corbusier: Guitarra vertical.
Otros pintores cubistas son:
María Blanchard
Sonia Delaunay
Albert Gleizes
André Lhote
Jean Metzinger
Wifredo Lam
CUBISMO LITERARIO
El cubismo literario nace del cubismo pictórico, y así se llama por simple fraternidad de los artistas de uno y otro bando; y también porque hay muchos puntos de semejanza en sus doctrinas de abstracción o evasión artística. Apollinaire, Cendrars, Max Jacobs, corifeos de la pintura cubista, fueron hermanos en inquietudes artísticas de Picasso, Juan Gris y Delauny. Esto explica en parte, que la poesía cubista, abandonando los elementos musicales tan caros al simbolismo, se haga poesía puramente visual.
En el poema cubista, no es la realidad externa la que se plasma, sino su poliédrica y acelerada proyección en nuestro espíritu, con todas las predilecciones y deformaciones que le impone la originalidad de nuestro modo de captarla. La imagen cubista no es simple com la de una flor en un espejo, sino intrincada y polifásica como un mosaico.
El poema cubista es una yuxtaposición instantánea de imágenes autónomas, desligadas. Se recrea en lo visual y desprecia lo auditivo. No hay anécdota, ni argumento, ni historia.
Cada verso o doble verso es una célula independiente, pero confederada con las otras para dar un poema que tiene por centro unificador al poeta mismo.
El poema cubista atrae a un solo plano, simultáneamente, los elementos de la realidad que la imaginación, como un imán central, congrega en un punto de convergencia, que es la mente del poeta. Pero su enfoque, las fracciones de realidad que la inspiran, no están en el pasado, sino en el presente, en la vida y no en el sueño; en la vida moderna con su afiebrada velocidad y dinamismo.
En general se alude, a un importante sector de la poesía francesa, cuyo punto inicial podría situarse en 1896 y que hacia 1917, confluye con el Dadaísmo. La amistad, a menudo íntima, y la mutua colaboración entre los pintores de este movimiento (Picasso - Bracque ) y los poetas a que se extiende esta denominación, a la vez que un ideal estético común, son razones más que suficientes para justificarla.
La figura principal de este movimiento es sin duda el poeta Guillaume Apollinaire, quien en 1913 junto con su libro "Alcoles", publicó un importante manifiesto donde se encuentran las siguientes exhortaciones: "Palabras en libertad"; "invención de palabras"; "destrucción"; "supresión del color poético, de la copia en arte, de la sintaxis, de la puntuación, de la armonía tipográfica, de los tiempos y personas de los verbos, de la forma teatral, del sublime artista, del verso y de la estrofa, de la intriga en los relatos, de la tristeza".
Al lado de Apollinaire podemos citar a Max Jacob; Jean Cocteau y Pierre Reverdy, quien funda en 1917 la revista Nord-Sud, que disputará luego la paternidad del Creacionismo al poeta chileno disputará Vicente Huidobro, y que será, junto a Apollinaire, uno de los poetas más admirados por la nueva generación en la que se encontraban los futuros surrealistas: André Breton y Paul Eluard.
La perspectiva renacentista suponía el único procedimiento valido desde el siglo XV para representar las tres dimensiones del espacio. El cubismo rompe con esta tradición convirtiendo su pintura en una reconstrucción racional y no visual de la realidad. Movimiento pictórico por esencia, también aplica sus principios a la escultura, a la que libera tanto de sus temas como de sus materiales. El cubismo, gracias a su carácter experimental, no es un sistema cerrado, sino que constituye para muchos artistas una iniciación a la modernidad.
El termino cubismo, surgido de una serie de criticas adversas que recibieron los cuadros de Braque en 1908, aparece íntimamente unido a la obra de Cezanne, cuyas investigaciones habían conducido a una nueva organización del cuadro, donde el tratamiento geométrico responde al consejo dado por el artista a Emil Bernand: “hay que tratar la naturaleza en términos de esfera, cilindro y de cono”. Esa geometrizacion que se encuentra en las obras del cubismo analítico caracteriza también a muchas formas artísticas primitivas; de esta manera se produce el descubrimiento por parte de los cubistas del arte africano e ibérico, gracias por un lado a la expansión colonial, y por otro lado a la apertura de museos etnográficos. Este conocimiento de las artes tradicionales llevo a la creación de un nuevo vocabulario formal que ayudo a la liberación de los nuevos artistas de las formas plásticas existentes.
EL CUBISMO ANALITICO
Se dice generalmente que el cubismo nació con la obra de Picasso Las señoritas de Avignon (1906-1907), donde el problema primordial que preocupaba al artista era la representación de los volúmenes modelados mediante cambios de colores puros y violentos, así como un nuevo planteamiento de los fundamentos de la perspectiva. Esta experiencia, junto con los paisajes realizados por Picasso en la región de Oise y Horta del Ebro, pertenece a la primera fase del cubismo (también llamado cubismo cezasiano) época en la que el pintor Georges Braque (1852-1963), interesado por las experiencias de Picasso, pinto sus paisajes de L’Estaque
A partir de 1910 el cubismo evoluciono hacia una descomposición del objeto más rigurosa y profunda, entrando a la denominada fase analítica. Intenta expresar la visión del objeto “tal y como sabe que existe y no ya tal como se ve”. El cubismo decidió renunciar desde entonces a la perspectiva renacentista, multiplicando los puntos de vista , los ángulos de visión, lo que crea una mas razonable y completa representación y también mas objetiva. En esta fase, el dolor se redujo a gamas de ocres y grises.
El cubismo atrajo con gran rapidez multitud de admiradores y seguidores tanto entre pintores como entre escultores. La exposición de la sección de oro, realizada en el año 1912, acogió la obra de mas de 30 artistas, entre los que cabe destacar a Juan Gris (1887-1927), Albert Gleizes (1881-1953), Jean Metzinger (18853-1956) Roger de Fresnaye (1885-1925), Louis Marcousis (1878- 1941), Jaques Villon (1875-1963), Marcel Duchamp (1876-1918) y Raymond Duchamp-Villon (1876-1918).
En sus obras se persigue el común interés de descomponer los volúmenes, siendo para la mayoría el único punto de partida de una búsqueda personal: el orfismo para R. Delaunay, o la descomposición de la luz para Jacques Villon. En esta época aparecieron también las primeras obras escritas que intentaron sentar las bases teóricas del cubismo. Del cubismo por Gleizes y Metzinger (1912) o Pintores Cubistas, meditaciones estéticas por Guillarme Apolliniare (1913), que fue considerado como el autentico manifiesto del movimiento.
EL CUBISMO SINTETICO
En el transcurso de los años 1912-1913 Picasso, Braque y Juan Gris dieron un paso más e inauguraron una nueva fase del cubismo: El cubismo sintético.
Después del estudio de ciertas mascaras pertenecientes a su propia colección Picasso renuncio a la imitación del objeto con el propósito de crear una realidad plástica y objetiva por medio de signos totalmente inventados. Las obras de esta época se caracterizan por formas antinaturalitas unidas entre si de tal manera que el espectador pueda reconstruir la realidad evocada. Así, en la guitarra, realizada en 1912, se observa que Picasso ha evocado el rosetón no por un agujero redondo (de forma cóncava) sino por el cilindro de chapa salediza ( de forma convexa) e inmediatamente identificable por el espectador. Esta manera de representar una parte de un objeto por la forma exactamente inversa de la realidad, esta inversión de los llenos y los vacíos, va a ser uno de los rasgos distintivos de la cultura cubista.
Los collages
En el año 1912, Picasso realizo su primer collage, Naturaleza muerta con silla de rejilla, al introducir en una pintura un trozo de hule que imitaba el respaldo de una silla de rejilla.
Tiempo después, Braque decidió explorar la técnica del papel pegado y para ello integro en sus dibujos y pinturas trozos de papel pintado, que imitaban materiales como la madera de mármol, etc., preocupado dar al objeto su tono natural. El mismo año, tanto Braque como Picasso transpusieron los papeles pegados en tres dimensiones a construcciones o esculturas de ensamblaje, combinando materiales no tradicionales como papel, cartón, alambre, bramante, chapa, etc. Las construcciones, objeto de estudio para ambos artistas, se convirtieron rápidamente en nuevos medios íntegros de expresión para Henri Laurens
(1) ENCICLOPEDIA, La Enciclo, tomo 1
Picasso, Las señoritas de avignon (1906-1907).
De izquierda a derecha, la influencia Ibérica deja
paso a la del arte africano (museo de arte moder-
no, New York)
LA EXPERIENCIA CUBISTA EXPANDE LA EXPERIENCIA DE LA
“VISION DE LA VISION”, INTEGRANDO ELEMENTOS CIENTIFICOS
CON BASE EN LA FISICA. LOGRAMOS ACCEDER A UNA EMANCI-
PACION DEL ESPACIO TRIDIMENSIONAL, ESCINDIDO DE LA FINI-
TUD DE LA PERSPECTIVA. EL ESPACIO ESTALLA, DANDONOS UN
NUEVO ESPACIO DE FUERZAS DIMANICAS, DE VOLUMENES Y
COLORES
El cubismo gris
ARTE DEL SIGLO XX
CARACTERÍSTICAS
El cubismo se caracteriza, además de por plasmar de manera simultánea un mismo objeto desde diferentes ángulos, por el empleo de figuras geométricas como triángulos, cuadrados, rectángulos y cubos. Es de esta última figura de donde proviene el nombre del movimiento, debido a que en 1908 el crítico Luís Vauxcelles opinó que los cuadros de Braque estaban compuestos de cubos.
En cierto sentido el cubismo es el movimiento más significativo y trascendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza. Su visión es tan radicalmente distinta que conmocionó a todo el mundo del arte. A partir del cubismo, los conceptos de arte y belleza cambian por completo, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma.
Normalmente se considera que la fecha de inicio de este movimiento fue en 1907 con el cuadro de Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso. Picasso fue, junto a Georges Braque, el artífice de esta corriente que tuvo como centro principal París.
Sus planteamientos son totalmente inéditos en el arte. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador no se puede quedar contemplando sin más la obra, sino que debe reconstruirla en su mente para poder comprenderla. La pintura es algo mental, el espectador interpreta la realidad según las pautas que da la obra y se convierte en artista, en creador. La nueva estética se desliga completamente de la interpretación o la semejanza con la naturaleza, lo que significa que la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. Esta desvinculación de la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, y pintadas de forma geométrica. Esta descomposición no es casual, sino que está muy estudiada y calculada, para permitir la recomposición mental de la figura.
El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales cubistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.
El cubismo se pregunta, también, por los problemas del volumen y del espacio. Su ruptura con la tradición renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictórico para sus formas. Una de las características del cubismo es su representación en blanco y negro, consecuencia de su desvinculación con la naturaleza e influido por la fotografía, para facilitar la lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por la representación del movimiento y por lo tanto del tiempo: de la cuarta dimensión. El tiempo cobra un nuevo significado tras la teoría de la relatividad de Einstein. El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura. El color ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro. La cuarta dimensión está en la mente humana, vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, y eso es lo que pretende captar el cuadro cubista.
Los temas principales de los cuadros cubistas suelen ser los retratos y las naturalezas muertas. A pesar del aspecto de algunos cuadros, la forma siempre fue respetada, sin llegar en ningún momento al arte abstracto. Los colores utilizados suelen ser apagados, y la luz es más bien escasa.
Artistas innovadores, Picasso y Braque buscaron nuevas maneras de expresar el espacio y la forma en sus pinturas. Tuvieron influencias de Paúl Cézanne, Georges Seurat, la escultura ibérica, el arte tribal africano (aunque Braque luego lo negase) y del fauvismo.
Los historiadores del arte dividen este movimiento artístico en dos etapas: una primera etapa, hasta 1911, denominado Cubismo analítico o inicial y una segunda etapa que comienza tras el descubrimiento del collage y se denomina Cubismo sintético.
ESCUELAS Y PINTORES CUBISTAS
Tras la época clásica del cubismo aparecen tres escuelas: la Sección Áurea (o Sección de Oro), que pretenderá llevar las matemáticas a la pintura de manera consciente, tanto en los ritmos como en las proporciones de la descomposición cubista; el orfismo es el cubismo colorista, un tanto evocador de sueños extraños, está muy cerca de la abstracción pura; y por último está el purismo de la Bauhaus que reaccionó contra los excesos del cubismo y vuelven a las formas simples y analíticas.
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura central del cubismo, y uno de los grandes genios del arte universal. Su obra artística es muy extensa pero su nombre estará siempre ligado al cubismo como su creador y su máximo representante. En 1907 pinta Las señoritas de Aviñón, cuadro que marca el comienzo del cubismo. Otros cuadros cubistas son Mujer sentada en un sillón, Mujer del abanico, La fábrica de Horta del Ebro, Cabeza de mujer, La muchacha de la mandolina, El aficionado, Retrato de Wilhelm Uhde, Retrato de D. H. Kahnweiler, Hombre con sombrero, Cabeza de muchacha, Naturaleza muerta con una silla de rejilla, Guitarra, Naturaleza muerta, estas tres últimas con colage, Las meninas y El Guernica.
Georges Braque (1882-1963) es el otro gran creador del cubismo, más intelectual que Picasso. Se mantiene siempre fiel a la estética cubista. Son características sus naturalezas muertas: Naturaleza muerta en mesa de árbol, Casas en el estanque, La Roche-Guyón, El portugués, Ceret: los tejados, El hombre del violín, Violín y jarra, La mesa del músico.
Juan Gris (1887-1927) es el tercer gran cubista. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Su cubismo es, fundamentalmente, sintético y coloreado. Comienza a poner a sus obras títulos intranscendentes. Composición, El fumador, Las tazas de té, La celosía, Vaso y paquete de tabaco, El lavabo.
Como representantes de la Sección Áurea tenemos a Marcel Duchamp: Retrato de jugadores de ajedrez, Fernand Léger, que se caracteriza por dar volumen a los planos: Jóvenes en un interior, Desnudos en el bosque, Desnudos sobre fondo rojo, El hombre en la ciudad, Kasimir Malevich: El leñador, y Piet Mondrian: Manzano en flor.
Entre los más destacados del orfismo están Robert Delaunay es su representante más destacado: La ciudad nº2, Ventanas sobre la ciudad nº4, una ventana, Campo de Marte: la torre Eiffel roja, Francis Picabia: Procesión en Sevilla, y Frantisek Kupka: Nocturno.
Dentro del purismo está Amédée Ozenfant que es el representante más destacado: Naturaleza muerta, Vida, y Le Corbusier: Guitarra vertical.
Otros pintores cubistas son:
María Blanchard
Sonia Delaunay
Albert Gleizes
André Lhote
Jean Metzinger
Wifredo Lam
CUBISMO LITERARIO
El cubismo literario nace del cubismo pictórico, y así se llama por simple fraternidad de los artistas de uno y otro bando; y también porque hay muchos puntos de semejanza en sus doctrinas de abstracción o evasión artística. Apollinaire, Cendrars, Max Jacobs, corifeos de la pintura cubista, fueron hermanos en inquietudes artísticas de Picasso, Juan Gris y Delauny. Esto explica en parte, que la poesía cubista, abandonando los elementos musicales tan caros al simbolismo, se haga poesía puramente visual.
En el poema cubista, no es la realidad externa la que se plasma, sino su poliédrica y acelerada proyección en nuestro espíritu, con todas las predilecciones y deformaciones que le impone la originalidad de nuestro modo de captarla. La imagen cubista no es simple com la de una flor en un espejo, sino intrincada y polifásica como un mosaico.
El poema cubista es una yuxtaposición instantánea de imágenes autónomas, desligadas. Se recrea en lo visual y desprecia lo auditivo. No hay anécdota, ni argumento, ni historia.
Cada verso o doble verso es una célula independiente, pero confederada con las otras para dar un poema que tiene por centro unificador al poeta mismo.
El poema cubista atrae a un solo plano, simultáneamente, los elementos de la realidad que la imaginación, como un imán central, congrega en un punto de convergencia, que es la mente del poeta. Pero su enfoque, las fracciones de realidad que la inspiran, no están en el pasado, sino en el presente, en la vida y no en el sueño; en la vida moderna con su afiebrada velocidad y dinamismo.
En general se alude, a un importante sector de la poesía francesa, cuyo punto inicial podría situarse en 1896 y que hacia 1917, confluye con el Dadaísmo. La amistad, a menudo íntima, y la mutua colaboración entre los pintores de este movimiento (Picasso - Bracque ) y los poetas a que se extiende esta denominación, a la vez que un ideal estético común, son razones más que suficientes para justificarla.
La figura principal de este movimiento es sin duda el poeta Guillaume Apollinaire, quien en 1913 junto con su libro "Alcoles", publicó un importante manifiesto donde se encuentran las siguientes exhortaciones: "Palabras en libertad"; "invención de palabras"; "destrucción"; "supresión del color poético, de la copia en arte, de la sintaxis, de la puntuación, de la armonía tipográfica, de los tiempos y personas de los verbos, de la forma teatral, del sublime artista, del verso y de la estrofa, de la intriga en los relatos, de la tristeza".
Al lado de Apollinaire podemos citar a Max Jacob; Jean Cocteau y Pierre Reverdy, quien funda en 1917 la revista Nord-Sud, que disputará luego la paternidad del Creacionismo al poeta chileno disputará Vicente Huidobro, y que será, junto a Apollinaire, uno de los poetas más admirados por la nueva generación en la que se encontraban los futuros surrealistas: André Breton y Paul Eluard.
jueves, 2 de octubre de 2008
POP ART
EL POP ART
El Pop-Art ( "Arte Popular") fue un movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.
El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc. Este movimiento irónico de pintura,surge en 1960 en Norteamérica.
El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa,nace en dos ciudades: New York y Londres.
Puede afirmarse que el pop-Art es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (la popular del capitalismo desarrollado) caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.
En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo. "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina", afirmaba el máximo exponente del movimiento, Andy Warhol. También es simbólica la afirmación de Richard Hamilton con respecto a su deseo de que el arte fuera "efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso". Todas ellas, serían cualidades equivalentes a las mercancías producidas en la sociedad de consumo.
Richard Hamilton es considerado el artista que creó la primera obra del pop-art: el collage titulado ¿Qué es lo que hace los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, que fue expuesto en la exposición titulada Esto es el mañana en la Whitechapel Gallery de Londres en 1956. En 1961 se presentaba el pop-art británico al público en una exposición que reunía obras de David Hochney, Derek Boshier, Allen Jones, R.B. Kitaj y Peter Phillips.
Los orígenes del pop-art se pueden encontrar en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto artístico considerado como único y sagrado. Sin embargo el arte pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready- mades . En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje.
En el pop art se utiliza mucho la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, óleo, pintura plástica con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, ensamblajes, etc. El pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura en todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.
Los temas pictóricos del pop art están motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. la coca-cola, los helados, el seven-up, la pepsi-cola, la pasta de dientes, la sopa enlatada, los cigarrillos, todo ello se convierte en la iconografía de otra tendencia artística.
En Inglaterra, el pop-art empieza a gestarse en las discusiones que mantenían en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres desde 1952. Estas discusiones se centraban en torno al impacto que la tecnología moderna y los medios de comunicación de masas estaban teniendo en la sociedad.
El arte pop toma sus fuentes de las industrias del consumo y del ocio, de la publicidad y también de la historia del arte. Puede decirse que el pop de Kitaj y Hamilton es un pop culto y altamente intelectualizado, casi hermético en un sentido que no es el del pop habitual. El otro gran artista pop de la escena inglesa es David Hockney, para quien la herencia del movimiento moderno es fundamental y combina fotografías, cuadros abstractos y diversos tipos de material gráfico. Junto con Allen Jones forma la segunda generación del Pop británico.
Los precursores del pop americano son Jasper Johns y Robert Rauschenberg y el grupo propiamente “pop” lo forman Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Jim Dine, Robert Indiana, Tom Wesselman y Claes Oldenburg. A pesar de esta categorización todos son diferentes entre sí. Warhol pretendía eliminar de la obra de arte cualquier traza o signo de manualidad; muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo.
Lichtenstein toma sus motivos de las tiras de cómics y los amplía a enormes dimensiones dejando visibles los puntos que resultan del proceso de impresión. Dine combina objetos reales con fondos pintados. Oldenburg fabrica objetos de la vida cotidiana (hamburguesas, navajas, etc.) a tamaños descomunales que instala en ocasiones en espacios al aire libre. Indiana pinta rótulos gigantescos que nos reclaman la atención y nos amonestan.
Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".
Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. El término "Pop-Art" fue utilizado por primera vez por el crítico holandés Lawrence Alloway en 1958, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi entre otros. Otro crítico, Lewis Gennig, puso énfasis en esta denominación hacia 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares; de este modo quedó relegado el término Neo-Dada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente estética.
El arte pop es la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una adicción. El máximo exponente del movimiento, Andy Warhol, afirmaba que "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina". También es simbólica la afirmación de Richard Hamilton con respecto a su deseo de que el arte fuera "efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso". Todas ellas serían cualidades equivalentes a las de la sociedad de consumo.
Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de arte final. Sin embargo, el Arte Pop descarga de la obra de arte toda la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje.
Lo encontramos en distintas manifestaciones de acuerdo al sitio en que se desarrollo:
El arte pop británico
Richard Hamilton
En el Reino Unido el arte pop empieza a gestarse en las discusiones que mantenían Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi y los críticos Lawrence Alloway yReyner Banham, desde 1952, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (ICA). Estas discusiones se centraban en torno al impacto que la tecnología moderna y los medios de comunicación de masas estaban teniendo en la sociedad. Entre otras cosas, en estas discusiones se desmontó la pirámide de categorizaciones en la que las Bellas Artes eran la cima equiparadas al cine, a las artes populares y las artes gráficas.
Richard Hamilton es considerado el artista que creó la primera obra del Arte Pop, el collage titulado ¿Qué es lo que hace los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, que fue expuesto en la exposición titulada Esto es el mañana en la Whitechapel Gallery de Londres en 1956.
En 1961 se presentaba el arte pop británico al público en una exposición que reunía obras de David Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, Roland B. Kitaj y Peter Phillips.
El arte de Hamilton toma sus fuentes de las industrias del consumo y del ocio, de la publicidad y también de la historia del arte. Puede decirse que el Pop de Roland B. Kitaj y Hamilton es un pop culto y altamente intelectualizado, casi hermético en un sentido que no es el del pop habitual. El otro gran artista Pop de la escena inglesa es David Hockney, para quien la herencia del movimiento moderno es fundamental y combina fotografías, cuadros abstractos y diversos tipos de material gráfico. Junto con Allen Jones forma la segunda generación del Pop británico.
El arte pop estadounidense
Andy Warhol
En Estados Unidos el arte pop entra en escena en 1961 y arraiga con más fuerza que en ningún otro lugar, a pesar de las reticencias iniciales de algunos críticos como Harold Rosenberg, dada la fuerza que el expresionismo abstracto tenía en la industria del arte. Sin embargo, la imaginería pop era fácilmente asimilable como algo puramente estadounidense, lo cual era importante ya que tanto los artistas como los coleccionistas estadounidenses estaban en cierto modo en lucha o competición con lo europeo. La confirmación de este hecho se produjo con la exposición titulada El arte pop y la tradición americana en el Milwaukee Art Center en 1965. Este aspecto nacionalista era lo único que lo acercaba a la generación de los expresionistas abstractos; en lo demás todo es opuesto: los artistas pop ironizaban sobre la caligrafía y el gesto característicos de los expresionistas (las obras de Roy Lichtenstein en las que amplifica una pincelada esquematizada gráficamente), o los enormes cuadros de Rosenquist en los que amplifica espaguetis como recordando las nervaciones de los drippings de Pollock, y en general el interés puesto en desechar de la obra toda traza de la intervención manual del artista.
Los precursores del arte pop americano son Jasper Johns y Robert Rauschenberg y el grupo lo forman Andy Warhol, Jim Dine, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Robert Indiana, Tom Wesselmann y Claes Oldenburg. En la periferia del pop americano se encuadran Alex Katz, John Chamberlain, Richard Lindner y Larry Rivers. A pesar de esta categorización todos son diferentes entre sí. Warhol pretendía eliminar de la obra de arte cualquier traza o signo de manualidad; muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo.
Lichtenstein toma sus motivos de las tiras de cómics y los amplía a enormes dimensiones dejando visibles los puntos que resultan del proceso de impresión. Dine combina objetos reales con fondos pintados. Oldenburg fabrica objetos de la vida cotidiana (hamburguesas, navajas, etcétra) a tamaños descomunales que instala en ocasiones en espacios al aire libre. Indiana pinta rótulos gigantescos que nos reclaman la atención y nos amonestan.
Pop-Art Español
Eduardo Arroyo
En España el Pop se estudia asociado a la nueva figuración surgida a raíz de la crisis del informalismo. A diferencia de los países anglosajones, el Pop-Art adquiere en España un marcado carácter social.
Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamiento podemos mencionar Equipo Crónica, Alfredo Alcaín, Eduardo Arroyo, Darío Villalba, Eduard Sanz, La Hermandad Pictórica, Manuel Boix, Eduardo Úrculo y al Equipo Realidad entre otros.
Tenemos que entender que el pop-art llega a los españoles como unas bases que nacen del interés que manifestaron algunos artistas extranjeros (Hamilton, Paolozzi) de la vanguardia londinense por las imágenes de los objetos de uso corriente de la civilización urbana, vehiculadas por los medios de comunicación de masas, y por su deseo de acercar el arte al gran público creando un nuevo arte popular frente al elitismo que había caracterizado hasta entonces el arte de vanguardia. A principios de los años sesenta empezaron a aparecer en España publicaciones de collages, pinturas y esculturas cuyos temas principales eran los productos tecnológicos, los automóviles, las estrellas de cine, etc., tratados con estilos que difieren de un artista a otro.
El Pop Art se divide en cuatro fases
La primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (principales exponentes) se separan del Expresionismo Abstracto.
La fase de apogéo del "Pop-art": Su obra se basa en los años 50's y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles.
La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa.
Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Estados Unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades.
Nacen los Hipies: La juventud que se oponía a la sociedad de consumo; consumidores de estupefacientes, proclaman el pacifismo, su lema: "haz el amor, no la guerra".
ALGUNOS REPRESENTANTES DEL POP ART
Andy Warhol
De padres inmigrantes checoslovacos, fue llevado en 1928 a Pittsburgh. En 1954 salió de la escuela con diploma luego de hacer sus estudios en el High School. Entre 1945 y 1949 estudió diseño e historia ilustrada del arte, sociología y psicología en el instituto tecnológico de de Carnegie en Pittsburgh. Terminados sus estudios se mudó a Nueva York en 1949.
En 1960 hizo sus primeros cuadros basados en cómic con los nombres comerciales de compañías. En 1962 produjo en tela de lona (silkscreen) impresiones de billetes del dólar, latas de la sopa de Campbell, e imágenes de Marilyn Monroe.
En 1979 expuso en el museo del Arte Americano de Nueva York los retratos de los 70s. En el año 1980 fue el encargado de la producción de un programa de TV por cable en el canal llamado "Andy Warhol". A partir la 1982 a 1986 hizo cuadros de desastres. En 1982 exhibió una serie de oxidaciones y de cuadros que representaban la arquitectura nazi, en la exposición del Documenta "4", Kassel exhibió las armas, cuchillos, cruces en la galería de Castelli y en el Galeria Fernando Vijande en Madrid. En 1987 murió como resultado de una operación.
Sopa enlatada Campbell’s
Roy Lichtenstein
Nacido en 1923 en Nueva York estudió arte en la universidad de estado de Ohio, Columbus, en donde terminó sus estudios. Entre estos períodos del estudio hizo su servicio militar en Europa. En 1951 tuvo su primera exposición individual en la galería de Carlebach, Nueva York. Hasta 1957 trabajó como un artista comercial y diseñador y realizando trabajos para el diseño de las vitrinas de las tiendas. Sus pinturas y dibujos en este tiempo eran parodias del arte de los años 20 y del “western” norteamericano con escenas de vaqueros e indios.
En este período su trabajo pasó de una fase de arte expresionista-abstracto a una de expresión figurativa. En 1960 se hizo conocido al comenzar a utilizar elementos típicos del arte comercial, de los comics y de los anuncios, en sus dibujos y pintura. En 1963 se trasladó a Nueva York. El arquitecto Phillip Johnson le comisionó para producir pinturas de gran formato para el pabellón de la feria mundial de Nueva Cork. En Cleveland realizó su primera exposición retrospectiva en los Estados Unidos en el Museo de Arte Moderno. La muestra se repitió en la Bienal de Venecia en 1966, 1968 y 1970.
En 1981 el Museo de Arte de St. Louis organizó una retrospectiva que abarcó el total de su obra hasta ese momento. En 1987 se organizó una muestra retrospectiva de sus dibujos en el Museo del arte Moderno, Nueva York, y en 1988 en el Kunsthalle de Francfort. Murió de pulmonía en los Estados Unidos en 1997.
“El Beso”
Jasper Johns
Nacido en 1930 a Georgia, creció y estudió en Carolina del Sur. Lo enlistaron en el ejército norteamericano y fue enviado a Japón. Entre 1949 y 1951 estudió en la universidad de Carolina del Sur. A partir la 1952 y hasta 1958 trabajó en una librería en Nueva York. Realizó exposiciones conjuntas con Roberto Rauschenberg para las casas Tiffany de Bonwit. En 1954 pintó su primer cuadro sobre la bandera. Tuvo su primera exposición individual 1958 en la galería de Castelli di Leo, Nueva Cork, también expuso en la Bienal de Venecia el mismo año. Su cuadro Números Grises ganó el premio internacional en la Bienal de Pittsburgh.
En 1960 comenzó a trabajar con litografías. En 1961 hizo su primer cuadro de gran formato y viajó a París para una exposición en la Galería Rive Droite. En 1964 se organizó una exposición retrospectiva de su obra en el Museo Judío de Nueva York. Durante el mismo año ganó un premio en la 6a exposición internacional del Arte Gráfico en Ljubljana, Yugoslavia.
En 1973 conoció a Samuel Beckett en París. Desde esta fecha y hasta 1980 realizó exposiciones individuales y retrospectivas en Nueva York, en la ciudad de Colonia Alemania, en París, Londres, Tokio, Suiza y Venecia. En 1988 le concedieron el Premio principal en la Bienal de Venecia .
Three Flags.
Robert Rauschenberg
Nacido en 1925 en Tejas, estudió farmacia brevemente en la universidad de Texas, para, para luego desempeñarse como miembro de los infantes de la marina de los Estados Unidos. A partir de 1947, y hasta 1948, estudió varios temas en el Instituto del Arte de la ciudad de Kansas, incluyendo historia del arte, escultura y música. Durante este tiempo realizó exhibiciones y participó en trabajos para estudios cinematográficos. En el mismo año se trasladó a Nueva York y participó en la Liga de los Estudiantes de Arte hasta 1952. Viajó a Italia, Francia y España, y tuvo exposiciones en Florencia y Roma en 1953. En 1949 se mudó a Nueva York y comenzó a pintar sus cuadros famosos Cuadros Rojos, substituyendo las pinturas Blancas y Negras.
A partir de 1962 utilizó la técnica de pintura en tela de lona (silkscreen) que mezcló con collage y objetos. También hizo su primer trabajo en litografía por el cual le concedieron el primer premio de una exposición en Yugoslavia. En 1963 se organizó la primera muestra retrospectiva en Europa, en la Galería Sonnabend de París, misma que también fue exhibida en el Museo Judío de Nueva York. En 1967 lo nombraron Doctor Honorario de la universidad de Grinnel, Iowa. En 1968 la NASA le invitó a que atestiguara el despegue de Apolo 11 en el centro del espacio de Kennedy y utilizara este tema para su trabajo.
En 1975 recibió el grado honorario de las artes de la universidad de la Florida del sur, Tampa, y, junto con James Rosenquist, estuvo involucrado en el movimiento para la abrogación del impuesto a las instituciones artísticas no-lucrativas. Una gran muestra retrospectiva fue expuesta en varias ciudades americanas a partir de 1976, y hasta 1978. En 1980 tuvo muestras retrospectivas en Berlín, Düsseldorf, Copenhague, Francfort, Munich y Londres. En 1981 sus fotografías fueron mostradas en el centro Pompidou de París. Vive actualmente en New York City y en la isla de Captiva de la Florida. En 1989 su trabajo viajó por todo el mundo, incluyendo una exposición en Moscú.
Sin titulo, 1955
Tom Wesselmann
Nacido en 1931 en Cincinnati, Ohio. Después de estudiar la psicología en la universidad de Cincinnati, estudió en la Academia del Arte de Cincinnati en el perìodo 1955-56, y a partir la 1956 al 1959 estudió bajo la tutela de Nicolas Marsicano en la escuela de la Unión de Fabricantes de Vinos, de Arte y Arquitectura de Nueva York. Al inicio su pintura era de corte expresionista abstracto con innegables influencias de Kooning.
En 1959 dio vuelta a la experimentación con collages pequeños y abstractos. En 1960 cambió a los objetos y a los paisajes en su pintura. Tuvo en 1961 su primera exposición individual en la galería de Manager de Nueva York. En 1962 participó en la exposición La Figura en el Museo del Arte Moderno de Nueva York. En 1963 lo incluyeron en El Estallido Entra en el Este con los artistas contemporáneos del museo de Houston, y en 1965 en la exposición Joven 1965 de América en el museo de Whitney, Nueva York. Participó en la Bienal de San Pablo en 1967, y en la exposición Documenta 4" y "6", y Kassel, en 1968 y 1977 respectivamente.
Su trabajo comenzó con los collages, los ensambles creando ambientes temerarios al usar artículos comunes y corrientes. Utilizó también la publicidad de catálogos y anuncios como un medio expresivo, combinados generalmente con la actitud francamente exhibicionista del cuerpo femenino. En el desarrollo de su trabajo de la serie los Grandes Desnudos Americanos incrementó el formato de sus obras.
Bedroom painting #39
Richard Hamilton
Nacido en 1922 en Londres, Inglaterra. En 1934 asistió a clases nocturnas de arte. En 1936 él operó en el departamento publicitario de una compañía eléctrica. Estudió en Westminster Technical College y el School de St. Martin de Art. En 1937 operó en el departamento publicitario de los Reimann Studios. De 1923 a 1940 estudió pintura en la Royal Academy Schools. Se enroló para un curso en dibujo técnico y fungió como un delineante de 1941 para 1945. Fue readmitido en la Royal Academy Schools en 1946 pero fue expulsado en el mismo año como resultado del trabajo aparentemente poco satisfactorio. Comenzó su Servicio militar.
La primera exhibición que él se diseñó a sí mismo fue Growth y Form en la ICA, London, 1951. En 1952 se convirtió en un maestro de trabajo de plata, la tipografía y el diseño industrial en el School Central de Artes y oficios. En 1953 se convirtió en un conferencista en el Departamento de Bellas artes del King's College en Durham University. Sus pinturas en este tiempo fueron influenciadas por el Cubismo. En el mismo año él ideó y diseñó el hombre de la exhibición, Machine & Motion en la ICA. En 1956 hizo su primer collage Pop como un diseño para el póster y el catálogo de la exhibición Esto es Mañana en el Whitechapel Gallery, la cuál él había ayudado a organizar con otros miembros del Group Independiente. De 1957 a 1961 enseñó diseño interior en el Royal College of Art.
Sus trabajos en el tema del Guggenheim Museum se exhibieron también en el Robert Fraser Gallery. En 1969 ayudó a hacer una película de su trabajo para el Arts Council. En 1970 expuso sus Cosmetic Studies. Le fue otorgado el Talins Prize International, Amsterdam, 1970. En 1977 y 1978 colaboró con Dieter Roth en Cadaqués. Recibió su primera exhibición retrospectiva asimilativa en 1979 en el Tate Gallery, también exhibida en el Kunsthalle, Berne. En 1974 tuvo exposiciones retrospectivas en el Guggenheim Museum, Nueva York, el St dtische Galerie, Munich, y el Kunsthalle, Tübingen. En 1982 sus escrituras, sus notas y sus documentos fueron publicados por Thames y Hudson, London.
"Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?"
Bibliografía
Lippard, Lucy R. El Pop Art. Barcelona, Ediciones Destino, 1993, 216 pp. (El Mundo del Arte, 19)
Biblioteca de Consulta Encarta 2004, Pop Art, Caracteristicas y representantes, Pop Art británico, norteamericano y español, pagina 1
www.google.com, caracteristicas del Pop Art, El Pop Art, reflejo de unos años turbulentos, Un ejercicio de historia universal, definición y representantes, pagina 2-7
El Pop-Art ( "Arte Popular") fue un movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.
El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc. Este movimiento irónico de pintura,surge en 1960 en Norteamérica.
El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa,nace en dos ciudades: New York y Londres.
Puede afirmarse que el pop-Art es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (la popular del capitalismo desarrollado) caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.
En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo. "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina", afirmaba el máximo exponente del movimiento, Andy Warhol. También es simbólica la afirmación de Richard Hamilton con respecto a su deseo de que el arte fuera "efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso". Todas ellas, serían cualidades equivalentes a las mercancías producidas en la sociedad de consumo.
Richard Hamilton es considerado el artista que creó la primera obra del pop-art: el collage titulado ¿Qué es lo que hace los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, que fue expuesto en la exposición titulada Esto es el mañana en la Whitechapel Gallery de Londres en 1956. En 1961 se presentaba el pop-art británico al público en una exposición que reunía obras de David Hochney, Derek Boshier, Allen Jones, R.B. Kitaj y Peter Phillips.
Los orígenes del pop-art se pueden encontrar en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto artístico considerado como único y sagrado. Sin embargo el arte pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready- mades . En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje.
En el pop art se utiliza mucho la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, óleo, pintura plástica con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, ensamblajes, etc. El pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura en todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.
Los temas pictóricos del pop art están motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. la coca-cola, los helados, el seven-up, la pepsi-cola, la pasta de dientes, la sopa enlatada, los cigarrillos, todo ello se convierte en la iconografía de otra tendencia artística.
En Inglaterra, el pop-art empieza a gestarse en las discusiones que mantenían en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres desde 1952. Estas discusiones se centraban en torno al impacto que la tecnología moderna y los medios de comunicación de masas estaban teniendo en la sociedad.
El arte pop toma sus fuentes de las industrias del consumo y del ocio, de la publicidad y también de la historia del arte. Puede decirse que el pop de Kitaj y Hamilton es un pop culto y altamente intelectualizado, casi hermético en un sentido que no es el del pop habitual. El otro gran artista pop de la escena inglesa es David Hockney, para quien la herencia del movimiento moderno es fundamental y combina fotografías, cuadros abstractos y diversos tipos de material gráfico. Junto con Allen Jones forma la segunda generación del Pop británico.
Los precursores del pop americano son Jasper Johns y Robert Rauschenberg y el grupo propiamente “pop” lo forman Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Jim Dine, Robert Indiana, Tom Wesselman y Claes Oldenburg. A pesar de esta categorización todos son diferentes entre sí. Warhol pretendía eliminar de la obra de arte cualquier traza o signo de manualidad; muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo.
Lichtenstein toma sus motivos de las tiras de cómics y los amplía a enormes dimensiones dejando visibles los puntos que resultan del proceso de impresión. Dine combina objetos reales con fondos pintados. Oldenburg fabrica objetos de la vida cotidiana (hamburguesas, navajas, etc.) a tamaños descomunales que instala en ocasiones en espacios al aire libre. Indiana pinta rótulos gigantescos que nos reclaman la atención y nos amonestan.
Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".
Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. El término "Pop-Art" fue utilizado por primera vez por el crítico holandés Lawrence Alloway en 1958, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi entre otros. Otro crítico, Lewis Gennig, puso énfasis en esta denominación hacia 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares; de este modo quedó relegado el término Neo-Dada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente estética.
El arte pop es la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una adicción. El máximo exponente del movimiento, Andy Warhol, afirmaba que "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina". También es simbólica la afirmación de Richard Hamilton con respecto a su deseo de que el arte fuera "efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso". Todas ellas serían cualidades equivalentes a las de la sociedad de consumo.
Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de arte final. Sin embargo, el Arte Pop descarga de la obra de arte toda la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje.
Lo encontramos en distintas manifestaciones de acuerdo al sitio en que se desarrollo:
El arte pop británico
Richard Hamilton
En el Reino Unido el arte pop empieza a gestarse en las discusiones que mantenían Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi y los críticos Lawrence Alloway yReyner Banham, desde 1952, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (ICA). Estas discusiones se centraban en torno al impacto que la tecnología moderna y los medios de comunicación de masas estaban teniendo en la sociedad. Entre otras cosas, en estas discusiones se desmontó la pirámide de categorizaciones en la que las Bellas Artes eran la cima equiparadas al cine, a las artes populares y las artes gráficas.
Richard Hamilton es considerado el artista que creó la primera obra del Arte Pop, el collage titulado ¿Qué es lo que hace los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, que fue expuesto en la exposición titulada Esto es el mañana en la Whitechapel Gallery de Londres en 1956.
En 1961 se presentaba el arte pop británico al público en una exposición que reunía obras de David Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, Roland B. Kitaj y Peter Phillips.
El arte de Hamilton toma sus fuentes de las industrias del consumo y del ocio, de la publicidad y también de la historia del arte. Puede decirse que el Pop de Roland B. Kitaj y Hamilton es un pop culto y altamente intelectualizado, casi hermético en un sentido que no es el del pop habitual. El otro gran artista Pop de la escena inglesa es David Hockney, para quien la herencia del movimiento moderno es fundamental y combina fotografías, cuadros abstractos y diversos tipos de material gráfico. Junto con Allen Jones forma la segunda generación del Pop británico.
El arte pop estadounidense
Andy Warhol
En Estados Unidos el arte pop entra en escena en 1961 y arraiga con más fuerza que en ningún otro lugar, a pesar de las reticencias iniciales de algunos críticos como Harold Rosenberg, dada la fuerza que el expresionismo abstracto tenía en la industria del arte. Sin embargo, la imaginería pop era fácilmente asimilable como algo puramente estadounidense, lo cual era importante ya que tanto los artistas como los coleccionistas estadounidenses estaban en cierto modo en lucha o competición con lo europeo. La confirmación de este hecho se produjo con la exposición titulada El arte pop y la tradición americana en el Milwaukee Art Center en 1965. Este aspecto nacionalista era lo único que lo acercaba a la generación de los expresionistas abstractos; en lo demás todo es opuesto: los artistas pop ironizaban sobre la caligrafía y el gesto característicos de los expresionistas (las obras de Roy Lichtenstein en las que amplifica una pincelada esquematizada gráficamente), o los enormes cuadros de Rosenquist en los que amplifica espaguetis como recordando las nervaciones de los drippings de Pollock, y en general el interés puesto en desechar de la obra toda traza de la intervención manual del artista.
Los precursores del arte pop americano son Jasper Johns y Robert Rauschenberg y el grupo lo forman Andy Warhol, Jim Dine, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Robert Indiana, Tom Wesselmann y Claes Oldenburg. En la periferia del pop americano se encuadran Alex Katz, John Chamberlain, Richard Lindner y Larry Rivers. A pesar de esta categorización todos son diferentes entre sí. Warhol pretendía eliminar de la obra de arte cualquier traza o signo de manualidad; muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo.
Lichtenstein toma sus motivos de las tiras de cómics y los amplía a enormes dimensiones dejando visibles los puntos que resultan del proceso de impresión. Dine combina objetos reales con fondos pintados. Oldenburg fabrica objetos de la vida cotidiana (hamburguesas, navajas, etcétra) a tamaños descomunales que instala en ocasiones en espacios al aire libre. Indiana pinta rótulos gigantescos que nos reclaman la atención y nos amonestan.
Pop-Art Español
Eduardo Arroyo
En España el Pop se estudia asociado a la nueva figuración surgida a raíz de la crisis del informalismo. A diferencia de los países anglosajones, el Pop-Art adquiere en España un marcado carácter social.
Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamiento podemos mencionar Equipo Crónica, Alfredo Alcaín, Eduardo Arroyo, Darío Villalba, Eduard Sanz, La Hermandad Pictórica, Manuel Boix, Eduardo Úrculo y al Equipo Realidad entre otros.
Tenemos que entender que el pop-art llega a los españoles como unas bases que nacen del interés que manifestaron algunos artistas extranjeros (Hamilton, Paolozzi) de la vanguardia londinense por las imágenes de los objetos de uso corriente de la civilización urbana, vehiculadas por los medios de comunicación de masas, y por su deseo de acercar el arte al gran público creando un nuevo arte popular frente al elitismo que había caracterizado hasta entonces el arte de vanguardia. A principios de los años sesenta empezaron a aparecer en España publicaciones de collages, pinturas y esculturas cuyos temas principales eran los productos tecnológicos, los automóviles, las estrellas de cine, etc., tratados con estilos que difieren de un artista a otro.
El Pop Art se divide en cuatro fases
La primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (principales exponentes) se separan del Expresionismo Abstracto.
La fase de apogéo del "Pop-art": Su obra se basa en los años 50's y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles.
La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa.
Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Estados Unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades.
Nacen los Hipies: La juventud que se oponía a la sociedad de consumo; consumidores de estupefacientes, proclaman el pacifismo, su lema: "haz el amor, no la guerra".
ALGUNOS REPRESENTANTES DEL POP ART
Andy Warhol
De padres inmigrantes checoslovacos, fue llevado en 1928 a Pittsburgh. En 1954 salió de la escuela con diploma luego de hacer sus estudios en el High School. Entre 1945 y 1949 estudió diseño e historia ilustrada del arte, sociología y psicología en el instituto tecnológico de de Carnegie en Pittsburgh. Terminados sus estudios se mudó a Nueva York en 1949.
En 1960 hizo sus primeros cuadros basados en cómic con los nombres comerciales de compañías. En 1962 produjo en tela de lona (silkscreen) impresiones de billetes del dólar, latas de la sopa de Campbell, e imágenes de Marilyn Monroe.
En 1979 expuso en el museo del Arte Americano de Nueva York los retratos de los 70s. En el año 1980 fue el encargado de la producción de un programa de TV por cable en el canal llamado "Andy Warhol". A partir la 1982 a 1986 hizo cuadros de desastres. En 1982 exhibió una serie de oxidaciones y de cuadros que representaban la arquitectura nazi, en la exposición del Documenta "4", Kassel exhibió las armas, cuchillos, cruces en la galería de Castelli y en el Galeria Fernando Vijande en Madrid. En 1987 murió como resultado de una operación.
Sopa enlatada Campbell’s
Roy Lichtenstein
Nacido en 1923 en Nueva York estudió arte en la universidad de estado de Ohio, Columbus, en donde terminó sus estudios. Entre estos períodos del estudio hizo su servicio militar en Europa. En 1951 tuvo su primera exposición individual en la galería de Carlebach, Nueva York. Hasta 1957 trabajó como un artista comercial y diseñador y realizando trabajos para el diseño de las vitrinas de las tiendas. Sus pinturas y dibujos en este tiempo eran parodias del arte de los años 20 y del “western” norteamericano con escenas de vaqueros e indios.
En este período su trabajo pasó de una fase de arte expresionista-abstracto a una de expresión figurativa. En 1960 se hizo conocido al comenzar a utilizar elementos típicos del arte comercial, de los comics y de los anuncios, en sus dibujos y pintura. En 1963 se trasladó a Nueva York. El arquitecto Phillip Johnson le comisionó para producir pinturas de gran formato para el pabellón de la feria mundial de Nueva Cork. En Cleveland realizó su primera exposición retrospectiva en los Estados Unidos en el Museo de Arte Moderno. La muestra se repitió en la Bienal de Venecia en 1966, 1968 y 1970.
En 1981 el Museo de Arte de St. Louis organizó una retrospectiva que abarcó el total de su obra hasta ese momento. En 1987 se organizó una muestra retrospectiva de sus dibujos en el Museo del arte Moderno, Nueva York, y en 1988 en el Kunsthalle de Francfort. Murió de pulmonía en los Estados Unidos en 1997.
“El Beso”
Jasper Johns
Nacido en 1930 a Georgia, creció y estudió en Carolina del Sur. Lo enlistaron en el ejército norteamericano y fue enviado a Japón. Entre 1949 y 1951 estudió en la universidad de Carolina del Sur. A partir la 1952 y hasta 1958 trabajó en una librería en Nueva York. Realizó exposiciones conjuntas con Roberto Rauschenberg para las casas Tiffany de Bonwit. En 1954 pintó su primer cuadro sobre la bandera. Tuvo su primera exposición individual 1958 en la galería de Castelli di Leo, Nueva Cork, también expuso en la Bienal de Venecia el mismo año. Su cuadro Números Grises ganó el premio internacional en la Bienal de Pittsburgh.
En 1960 comenzó a trabajar con litografías. En 1961 hizo su primer cuadro de gran formato y viajó a París para una exposición en la Galería Rive Droite. En 1964 se organizó una exposición retrospectiva de su obra en el Museo Judío de Nueva York. Durante el mismo año ganó un premio en la 6a exposición internacional del Arte Gráfico en Ljubljana, Yugoslavia.
En 1973 conoció a Samuel Beckett en París. Desde esta fecha y hasta 1980 realizó exposiciones individuales y retrospectivas en Nueva York, en la ciudad de Colonia Alemania, en París, Londres, Tokio, Suiza y Venecia. En 1988 le concedieron el Premio principal en la Bienal de Venecia .
Three Flags.
Robert Rauschenberg
Nacido en 1925 en Tejas, estudió farmacia brevemente en la universidad de Texas, para, para luego desempeñarse como miembro de los infantes de la marina de los Estados Unidos. A partir de 1947, y hasta 1948, estudió varios temas en el Instituto del Arte de la ciudad de Kansas, incluyendo historia del arte, escultura y música. Durante este tiempo realizó exhibiciones y participó en trabajos para estudios cinematográficos. En el mismo año se trasladó a Nueva York y participó en la Liga de los Estudiantes de Arte hasta 1952. Viajó a Italia, Francia y España, y tuvo exposiciones en Florencia y Roma en 1953. En 1949 se mudó a Nueva York y comenzó a pintar sus cuadros famosos Cuadros Rojos, substituyendo las pinturas Blancas y Negras.
A partir de 1962 utilizó la técnica de pintura en tela de lona (silkscreen) que mezcló con collage y objetos. También hizo su primer trabajo en litografía por el cual le concedieron el primer premio de una exposición en Yugoslavia. En 1963 se organizó la primera muestra retrospectiva en Europa, en la Galería Sonnabend de París, misma que también fue exhibida en el Museo Judío de Nueva York. En 1967 lo nombraron Doctor Honorario de la universidad de Grinnel, Iowa. En 1968 la NASA le invitó a que atestiguara el despegue de Apolo 11 en el centro del espacio de Kennedy y utilizara este tema para su trabajo.
En 1975 recibió el grado honorario de las artes de la universidad de la Florida del sur, Tampa, y, junto con James Rosenquist, estuvo involucrado en el movimiento para la abrogación del impuesto a las instituciones artísticas no-lucrativas. Una gran muestra retrospectiva fue expuesta en varias ciudades americanas a partir de 1976, y hasta 1978. En 1980 tuvo muestras retrospectivas en Berlín, Düsseldorf, Copenhague, Francfort, Munich y Londres. En 1981 sus fotografías fueron mostradas en el centro Pompidou de París. Vive actualmente en New York City y en la isla de Captiva de la Florida. En 1989 su trabajo viajó por todo el mundo, incluyendo una exposición en Moscú.
Sin titulo, 1955
Tom Wesselmann
Nacido en 1931 en Cincinnati, Ohio. Después de estudiar la psicología en la universidad de Cincinnati, estudió en la Academia del Arte de Cincinnati en el perìodo 1955-56, y a partir la 1956 al 1959 estudió bajo la tutela de Nicolas Marsicano en la escuela de la Unión de Fabricantes de Vinos, de Arte y Arquitectura de Nueva York. Al inicio su pintura era de corte expresionista abstracto con innegables influencias de Kooning.
En 1959 dio vuelta a la experimentación con collages pequeños y abstractos. En 1960 cambió a los objetos y a los paisajes en su pintura. Tuvo en 1961 su primera exposición individual en la galería de Manager de Nueva York. En 1962 participó en la exposición La Figura en el Museo del Arte Moderno de Nueva York. En 1963 lo incluyeron en El Estallido Entra en el Este con los artistas contemporáneos del museo de Houston, y en 1965 en la exposición Joven 1965 de América en el museo de Whitney, Nueva York. Participó en la Bienal de San Pablo en 1967, y en la exposición Documenta 4" y "6", y Kassel, en 1968 y 1977 respectivamente.
Su trabajo comenzó con los collages, los ensambles creando ambientes temerarios al usar artículos comunes y corrientes. Utilizó también la publicidad de catálogos y anuncios como un medio expresivo, combinados generalmente con la actitud francamente exhibicionista del cuerpo femenino. En el desarrollo de su trabajo de la serie los Grandes Desnudos Americanos incrementó el formato de sus obras.
Bedroom painting #39
Richard Hamilton
Nacido en 1922 en Londres, Inglaterra. En 1934 asistió a clases nocturnas de arte. En 1936 él operó en el departamento publicitario de una compañía eléctrica. Estudió en Westminster Technical College y el School de St. Martin de Art. En 1937 operó en el departamento publicitario de los Reimann Studios. De 1923 a 1940 estudió pintura en la Royal Academy Schools. Se enroló para un curso en dibujo técnico y fungió como un delineante de 1941 para 1945. Fue readmitido en la Royal Academy Schools en 1946 pero fue expulsado en el mismo año como resultado del trabajo aparentemente poco satisfactorio. Comenzó su Servicio militar.
La primera exhibición que él se diseñó a sí mismo fue Growth y Form en la ICA, London, 1951. En 1952 se convirtió en un maestro de trabajo de plata, la tipografía y el diseño industrial en el School Central de Artes y oficios. En 1953 se convirtió en un conferencista en el Departamento de Bellas artes del King's College en Durham University. Sus pinturas en este tiempo fueron influenciadas por el Cubismo. En el mismo año él ideó y diseñó el hombre de la exhibición, Machine & Motion en la ICA. En 1956 hizo su primer collage Pop como un diseño para el póster y el catálogo de la exhibición Esto es Mañana en el Whitechapel Gallery, la cuál él había ayudado a organizar con otros miembros del Group Independiente. De 1957 a 1961 enseñó diseño interior en el Royal College of Art.
Sus trabajos en el tema del Guggenheim Museum se exhibieron también en el Robert Fraser Gallery. En 1969 ayudó a hacer una película de su trabajo para el Arts Council. En 1970 expuso sus Cosmetic Studies. Le fue otorgado el Talins Prize International, Amsterdam, 1970. En 1977 y 1978 colaboró con Dieter Roth en Cadaqués. Recibió su primera exhibición retrospectiva asimilativa en 1979 en el Tate Gallery, también exhibida en el Kunsthalle, Berne. En 1974 tuvo exposiciones retrospectivas en el Guggenheim Museum, Nueva York, el St dtische Galerie, Munich, y el Kunsthalle, Tübingen. En 1982 sus escrituras, sus notas y sus documentos fueron publicados por Thames y Hudson, London.
"Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?"
Bibliografía
Lippard, Lucy R. El Pop Art. Barcelona, Ediciones Destino, 1993, 216 pp. (El Mundo del Arte, 19)
Biblioteca de Consulta Encarta 2004, Pop Art, Caracteristicas y representantes, Pop Art británico, norteamericano y español, pagina 1
www.google.com, caracteristicas del Pop Art, El Pop Art, reflejo de unos años turbulentos, Un ejercicio de historia universal, definición y representantes, pagina 2-7
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
Entradas
